El legítimo orden comiqueril

NOTICIAS
author image |septiembre 26, 2017

 
No lo conozco en persona así que esto no es más que mera especulación de mi parte. Darren Aronofsky tiene dos paciones en la vida: Hacer películas atrevidas y traumatizar a su público cada que tenga la oportunidad. Por supuesto que estoy exagerando (muy poquito), pero lo que es cierto es que este director es uno de los más osados dentro del cine que tenemos en la actualidad (por lo menos del considerado cine comercial). Odien o amen el trabajo de este director y aunque no siempre sea para bien, lo que es verdad es que los proyectos de Aronofsky SIEMPRE dan de que hablar, algo que sigue siendo la norma con ¡Madre!, película que imagino provocará algunas opiniones bastante diferentes dependiendo del tipo de público que la vea.
Esta es la parte en que normalmente les cuento la trama del filme en cuestión, pero en esta ocasión eso es algo que simplemente no quiero hacer. Por un lado, como usualmente es el caso en una buena película, entre menos se sepa sobre la cinta más gratas resultaran las sorpresas que la producción le brinda al espectador. Por otro lado, y es algo que en lo que tendré que explayarme un poco más en un momento, el contarles aunque sean unos cuantos detalles de la trama es prácticamente revelar una de las alegorías que maneja todo el filme, revelación que tal vez no arruinaría la cinta pero que terminaría truncando algunas de las ya mencionadas sorpresas, además de que encaminaría a interpretar el filme de una muy específica manera.
Lo siento por ser tan vago en esta ocasión, pero dar demasiados detalles en verdad seria quitarle mucho del “chiste” a la producción. Lo que sí puedo decirles es que no se dejen engañar por el trailer de ¡Madre! Los cortos nos venden una película de terror “tradicional”, pero aunque el filme SÍ cuenta con muchos elementos de horror, la etiqueta que le queda mejor (y hasta eso, no del todo) sería la de drama o suspenso. No me malentiendan, el filme crea una atmosfera agobiante, en ocasiones escalofriante, y el tercer acto sólo puedo calificarlo como “perturbador” y hasta difícil de digerir, pero asustar al público no es la principal preocupación de ¡Madre!, incomodarlo enormemente quizá, pero no necesariamente espantarlo.
De nuevo me veo obligado a ser bastante vago en mi descripción, pero debo decir que las numerosas alegorías que el filme hace pueden ser bastante obvias, tal vez no al principio, pero definitivamente el tipo de metáforas que se utilizan vienen encaminadas a obligar a que el espectador dé una lectura especifica al texto, y aunque evidentemente llegar a esta interpretación es el objetivo del director, hacerlo sería limitar mucho el potencial del filme. La película puede ser muy abstracta cuando se le da la gana, pero en el momento en que se descubre el origen de las alusiones que se hacen durante toda la cinta, la historia pierde su, llamémosle “factor sorpresa”.
Tal vez esto sea decir demasiado, pero creo que el objetivo Aronofsky es presentarnos su versión de un relato conocido por el 80% de la población mundial, esa sería la forma “correcta” de ver el filme, pero creo que como toda obra de arte, ¡Madre! funciona a más de un nivel e invita a más de una interpretación, una que dependerá por completo del espectador. Habrá quienes vean la película como la alegoría que es, otros la verán como un filme sobre ecología o sobre la maternidad o sobre las relaciones de pareja o sobre la creación artística o sobre la relación entre obra literaria, autor y lector, ninguna de estas interpretaciones siendo la “respuesta correcta”, por lo menos no del todo. Por otro lado habrá quienes vean el filme como una incomprensible, pretenciosa y descabellada jalada sin pies ni cabeza, una de esas producciones que se escudan en ser “cine de arte” para darse el lujo de ser tan vagas, abstractas y mamonas solamente para fingir que la película es más inteligente de lo que en realidad es, y por contradictorio que me haga sonar, debo decir que esta también sería una interpretación completamente valida. Al final del día creo que amaran ¡Madre! o la odiaran, no hay medias tintas aquí. Lo que sí es seguro es que, como es costumbre para este director, la película resulta una experiencia no precisamente agradable pero definitivamente una que no podrán olvidar en un laaaargo tiempo.

¡Madre!: 4/5. Muy Buena.
 
 
 
 
 
 
 
 
Mejor que: Noé (2014)
No tan buena como: Réquiem por un Sueño (2000), El Luchador (2008), El Cisne Negro (2010)
author image |septiembre 22, 2017

EL RAYO GOLPEA DOS VECES
Parte 1
"DEUS EX MACHINA"


August Hearth es un oficial a quien le asesinaron a su hermano la misma semana que Barry fue golpeado por el rayo que lo convirtió en Flash por ende es alguien cercano a Barry.


Barry Allen se ocupa del cuidado de su ciudad y mientras se preocupa por la aparición de Wally West en los eventos ya vistos en Rebirth un asesinato que se llevo a cabo en los laboratorios S.T.A.R. necesita de las cualidades como forense de Barry.


El asesinato parece no tener sentido ya que no se robaron nada y al parecer solo intentaron hacerlo parecer un robo cualquiera pero Barry nota eso y sabe que hay algo que buscaban los ladrones por la forma en que mantuvieron intactas ciertas sustancias químicas.


El Oficial August Hearth esta en el caso y al ser un amigo personal de Barry parece que esto facilitara la investigación.


En la escena del crimen, Barry recuerda que tenia una cita con Iris y como es costumbre sale corriendo para llegar con su amiga, mientras eso sucede un incendio ocurre y esto hace que Barry tenga que dejar a Iris sola.


Mientras Flash rescata a cada uno de los habitantes del edificio, un robo a un vehículo de Star se lleva a cabo al mismo tiempo, Flash sabe que tiene que actuar rápido si es que quiere detener a los ladrones.


La policía de Central City logra contener a los ladrones y el detective August es quien al ver el logo en sus uniformes recuerda que ese mismo logo estuvo pintado en cerca de la escena del crimen donde asesinaron a su hermano.

Justo cuando Flash cree haber vaciado todo el edificio una madre grita por sus hijos y Flash regresa para salvarlos.


August intenta obtener respuestas pero el líder un tal Dr. Carver ordena su muerte y justo cuando Flash llega ahí observa como le disparan a August pero por azares del destino un rayo cae sobre August convirtiéndolo en un velocista con lo cual detiene a su atacante.


Flash solamente queda sorprendido.


Parte 2
"THUNDERSTRUCK"


El Detective August Heart es entrenado por Barry para tener mejor uso y control de su nueva conexión a la Speed Force, esto hace que Barry recuerde cuando entreno a su sidekick KidFlash pero ahora es diferente.


August aprende rápido pero aun le falta algo de experiencia con los frenos.


Mientras eso pasa, el Wally West de New 52 disfruta de sus poderes corriendo por donde pueda ya que siente que su conexión con estos se pierde cada día mas y mas.


Iris West esta investigando aun el asesinato del guardia de los laboratorios STAR, cree que una gran primicia se encuentra escondida en ese asesinato.


Su curiosidad la lleva a los laboratorios STAR donde intenta entrevistar a quien le sea posible, esa persona es otro guardia que solo le da evasivas pero cuando esta a punto de correrla le dice en voz baja que todo comenzó con el despido de un grupo de científicos dirigidos por el Dr. Carver.


Este Dr. estaba realizando experimentos prohibidos(con la Speed Force) y a partir de eso de detonaron todos los hechos anteriores.


Iris sale corriendo de ahí con una gran nota entre sus manos y su siguiente paso es hablar con un oficial que le pueda ayudar con esta misma.


Iris llama a Barry pero para que le pasa a su amigo August ya que tal vez el si le pueda ayudar con su nota, August acepta ya que eso podría serle útil en el caso de su hermano peor mientras la llamada transcurre Iris es secuestrada por una camioneta de Black Hole.


August le dice lo ocurrido a Barry y en menos de 5 segundos Flash se lanza ala acción para rescatar a su amiga.


Flash la rescata rápidamente mientras August observa y le menciona que no tiene que hacerlo todo el solo.


Entonces Flash pone a salvo a Iris y regresa para encargarse de los bandidos de BlackHole pero es recibido por una descarga de un arma que parece reproducir un rayo de la Speed Force, solo que este parece drenarla.


Mientras la acción ocurre el Dr. Carver esta al tanto de la batalla y cuando el cree que gano con su tecnología aparece otro velocista, es August quien porta un uniforme improvisado y con sus manos crea remolinos que vuelcan la camioneta y tumban a los maleantes de Black Hole.


Cuando August se acerca a Flash este parece sanar rápidamente gracias a su Speed Force y cuando Flash se encuentra destruye la arma con la que fue golpeado y entonces ambos deciden darles una paliza a los bandidos, los cuales no tienen oportunidad contra ellos.


Iris llega a la escena pero solo para intentar cuestionar la identidad del nuevo velocista, el cual se autoproclama el nuevo compañero de Flash, mientras el dice eso Flash sonríe ya que piensa que la Speed Force sintió que se sentía solo y esta le mando un nuevo compañero.


El cielo se pone negro en toda Central City y una tormenta masiva cae sobre esta golpeado a muchos ciudadanos los cuales se conviertes en velocistas.


Entonces Barry cree que la Speed Force exagero en mandarle mas intentos de compañeros.


SIGUE EN "SPEED-CITY"
author image |septiembre 22, 2017

 
La vida real puede llegar a superar a la ficción, asómense a cualquier libro de historia para comprobarlo (un libro es un artefacto antiguo que existía desde antes del internet y que era una fuente de información). Es cierto que muchas veces una película “basada en hechos reales” tiende a exagerar un poco las cosas, todo con tal de dar un filme entretenido, pero muchas veces la historia misma es tan fascinante, compleja y hasta ridícula que ni el mejor guionista del mundo podría haberla inventado, como es el caso en Barry Seal: Sólo en América.
En Barry Seal: Sólo en América veremos la historia de un piloto norteamericano y como su vida cambia al empezar a trabajar para la CIA. Barry Seal (Tom Cruise) era un talentoso piloto comercial que capta la atención del gobierno norteamericano, quien le ofrece trabajar directamente para la CIA de manera encubierta, algo que Barry acepta casi de inmediato para darle algo emoción a su vida, sin embargo este no sería más que el primer paso que desencadenaría una serie de eventos que cambiaría el rumbo de la historia moderna de todo el continente americano.
Hay una frase que la propia película usa y que encapsula perfectamente el espíritu del filme: “No es un crimen su lo estás haciendo para los buenos”, el problema, claro está, es que usualmente todos creemos ser “los buenos” desde nuestro punto de vista de la historia. Solo en América nos da una perspectiva interesante sobre la vida de su protagonista, una que se ve involucrada en operaciones gubernamentales clandestinas, la guerra fría y tráfico de drogas entre otras tantas cosas.
Aunque el filme no deja de mostrarnos una serie de eventos moralmente cuestionables, logra hacerlo de una manera entretenida, incluso inyectando algo de humor cada que se tiene la oportunidad, algo que se ve ayudado por un ritmo algo acelerado de la trama, que aunque no profundiza demasiado en los hechos históricos que presenta, sí da el contexto suficiente para que cualquiera pueda entender la historia en general, una que es bastante caótica y no deja de ser sorprendente al considerar que son hechos que en verdad sucedieron.
Gran parte del encanto del filme es el carisma de Tom Cruise, quien da un buen papel como el protagonista. No creo que Cruise sea un gran actor para empezar, pero su carisma es innegable, además de que resulta entretenido verlo en pantalla cuando decide hacer bien su trabajo de actor y no dormirse en sus laureles y simplemente verse “bonito” para la cámara (*cof* La Momia *cof). Si acaso las motivaciones del personaje resultan comprensibles para cualquiera, lo acelerado de la trama y el tono de la misma dificulta un poco plasmar el drama por el que Barry llega a pasar.
Barry Seal: Sólo en América encapsula muy bien lo que muchos consideran el “estilo de vida norteamericano”, uno donde la ambición, el talento y el “trabajo duro” se ven recompensados con el éxito, pero que no deja de teñirse de negro al considerar que todo lo que el personaje logra es casi siempre con la mentalidad de “el fin justifica los medios”, una filosofía peligrosa y muy cuestionable, algo cuyas ramificaciones y consecuencias se siguen sintiendo hoy en día. Como ya he dicho, el ritmo de la trama es bastante acelerado, mostrándonos una situación tras otra de manera tan rápida que en ocasiones es difícil de digerir, pero por lo menos esto ayuda a capturar la atención del público de principio a fin. Definitivamente vale la pena ver esta película, tal vez no obligatoriamente en el cine, pero la cinta en verdad merece que le echen un ojo.

Barry Seal: Sólo en América: 3/5. Buena.
 
 
 
 
 
 
Mejor que: El Infiltrado (2016).
No tan buena como: Atrápame Si Puedes (2002), El Fundador (2016), El Lobo de Wall Street (2013)
author image |septiembre 22, 2017

 
Ánima Estudio…  a pesar de lo duro que soy al juzgar el trabajo de este estudio de animación mexicano, esto no se debe a que lo odie, al contrario, creo que esta compañía a probado una y otra vez que sus producciones tienen potencial, no por nada la compañía sigue siendo tan importante en el rubro de la animación en México. El problema que tengo con Ánima es que ese potencial siempre se ve perjudicado por alguna u otra razón, dándonos como resultado una mala película en el peor de los casos o una mediocre en el mejor, tradición que continua con Isla Calaca, filme que muestra el talento del estudio pero cuyo producto final no deja de ser un tanto decepcionante.
En Isla Calaca veremos a un niño descubrir sus raíces. Lucas es un niño aparentemente normal con un secreto que hasta el desconoce: Es un monstruo. Tras descubrir el secreto que su padre le escondió durante toda su vida, Lucas decide ir a su tierra natal, la isla Calvera y así reconectarse con su abuela que ni siquiera sabía que existía, al mismo tiempo tratando de aceptar su propia condición como un monstro.
Hay algo que nadie puede negar, aunque no todos sean tan llamativos o icónicos, Ánima Estudio tiene un muy buen ojo a la hora de diseñar personajes, por lo menos visualmente, algo que sigue siendo cierto en Isla Calaca, el problema es que muchos de estos diseños (tanto de personajes como de escenarios) evidentemente están pensados en dos dimensiones, algo que hace que estos diseños se vean bastante raros al pasar a la animación por computadora en 3D, tal vez no “malos” pero definitivamente “raros”.
¿Cómo decirlo de manera no tan agresiva? La animación en esta película podría ser peor. El hecho de que la mayoría de los personajes no sean humanos ayuda a disimular un poco lo errático de la animación, presentándonos movimientos forzados y casi robóticos en una escena solo para que en la siguiente los personajes parezcan estar hechos de goma. Los escenarios, anqué coloridos y con elementos creativos casi siempre se sienten vacíos, con apenas un puñado de personajes en pantalla al mismo tiempo.
Estaría dispuesto a pasar por alto todo lo anterior si la película contará con una buena historia… pero ese no es el caso. Situaciones basadas completamente en el cliché, motivaciones vagas por parte de los personajes y enormes hoyos en la trama hacen imposible tomar en serio la historia. Cierto, la película nunca pretende ser más que una moderadamente entretenida aventura para niños, pero la trama es una de esas que se desmorona casi por completo cuando te pones a pensar en ella.
Creo que el talento de Ánima Estudio es evidente y que por lo menos en su aspecto visual, aunque no siempre se traslada bien a la pantalla grande, no deja de ser llamativo y original. Es cierto, sería ridículo pedir la misma calidad de animación que Pixar o Dreamworks a un relativamente pequeño estudio mexicano, eso es evidente, pero aunque Ánima no deja de dar pequeños pasos hacia una mejor calidad de animación, los argumentos de sus películas siguen siendo su punto más débil y perdón por sonar tan duro, pero sus guiones no dejan de ser mediocres. El potencial está ahí, solo hay que buscar la forma de aprovecharlo por completo, algo que Isla Calaca no logra.

Isla Calaca: 1/5. Mala.
 
 
 
 
 
 
 
Mejor que: La Leyenda del Chupacabras (2016)
No tan buena como: Guardianes de Oz (2015)
author image |septiembre 21, 2017

 
Siempre que veo una reinterpretación de alguna película ya existente, lo hago esperando lo mejor pero  preparándome para lo peor ya que casi siempre la nueva versión agrega poco o nada a la obra original, colgándose simplemente del nombre de la producción esperando que eso sea suficiente para llamar la atención. Ahora bien, aunque nunca consideré la versión de Eso de 1990 como un clásico del cine de terror, tampoco creía que una nueva entrega fuese necesaria, por lo que resulta bastante agradable que la nueva interpretación cinematográfica sea superior a la anterior, además de que funciona como una muy buena adaptación de la novela original.
En Eso veremos la lucha de un grupo de niños en contra de una extraña y malvada entidad que asecha en un pequeño pueblo.  Tras la trágica desaparición de su hermano menor, Bill Denbrough (Jaeden Lieberher) sigue esperanzado por encontrar a su hermano Georgie. Para encontrar el paradero de Georgie, Bill busca la ayuda de sus amigos de la es cuela con quienes comienza una investigación sobre el pueblo mismo. Después de indagar en la grotesca historia de su pueblo natal, el grupo de amigos se encuentra con una malvada creatura sobrenatural que ha acechado la localidad durante años, un monstruo que los hará enfrentarse a sus más temidas pesadillas.
Tal vez suene descabellado pero la mejor manera en que puedo describir esta nueva versión de Eso es la siguiente: Imaginen la película Cuenta Conmigo y agreguen un malvado payaso sobrenatural, lo cual es adecuado si tomamos en cuenta que esa es otra adaptación de una obra de Stephen King. La película, aunque no deja de ser una cinta de horror, se da el tiempo de darnos muchas escenas de levedad, una en la que vemos la amistad que va creciendo entre los personajes, algo que resulta muy importante para la trama y los propios temas que maneja la cinta.
Aunque no soy para nada fan de niños actores, debo admitir que todo el reparto es muy bueno, cada actor dándole una personalidad muy propia a cada personaje. Lo que puede resultar un poco decepcionante es que no se le da el mismo nivel de atención a todo el grupo de amigos, pero esto  es entendible cuando tomamos en cuenta que la historia prácticamente nos da siete protagonistas distintos, y aunque el tiempo que se le dedica a cada uno no es tan equitativo que digamos, cada actor logra proyectar una personalidad propia muy bien definida y distinta para cada miembro del llamado “club de los perdedores”.
Otro elemento destacable es el propio Bill Skarsgad como Penntwise el Payaso Bailarín, quien gracias a un muy buen trabajo de maquillaje, efectos especiales, iluminación y gran presencia por parte del actor, logra darnos a un monstruo que tal vez no sea completamente terrorífico (por lo menos no todo el tiempo), pero que resulta una presencia incomoda, incluso perturbadora aun cuando se limita a sostener varios globos y mirar de manera intimidante hacia la cámara. Todo este efecto inquietante se ve ampliamente ayudado por una buena ambientación, una que tal vez parezca algo anticuada con su estética de típica “casa embrujada abandonada”, pero que no deja de darnos un escenario adecuado para las escenas de horror.
Vayan preparando sus antorchas y sus amenazas de muerte hacia mi persona, ya que aunque SÍ creo que Eso es una producción que vale mucho la pena, no estoy tan fascinado con la película, por lo menos no tanto como el resto del mundo. El filme es entretenido y tiene sus momentos escalofriantes pero en lo personal, no creo que sea tan “revolucionaria” como muchos dicen. Eso es un ejemplo de que si una producción se da a la tarea de verdaderamente poner atención en cada uno de sus elementos, el resultado final puede ser mucho mejor que la versión original. Antes dije que la adaptación de 1990 no era ningún clásico del género, por lo menos no para mí, pero definitivamente esta versión del 2017 tiene todos los elementos para convertirse en un clásico moderno, pero eso es algo que solo el tiempo nos dirá. Está de más decir que el filme sí resultara aterrador para aquellos con coulrofobia.

Eso: 4/5. Muy buena.
 
 
 
 
 
 
 
 
Mejor que: Eso (1990), Payasos Asesinos del Espacio Exterior (1988).
No tan buena como: Stranger Things (2016). Sí, ya sé que esa es serie pero creo que es mejor.  Nada más no salgan con la tontería de que Eso le copio a Stranger Things, Eso se publicó en 1986.
author image |septiembre 17, 2017

 
La vida puede ser graciosa, no siempre, no todo el tiempo  y definitivamente no con frecuencia, pero con algo de suerte y perspectiva, una anécdota bochornosa puede ser el punto de partida para que alguien cambie su vida para bien, ese es más o menos la idea detrás de Casi Vengo, Casi Muero (Almost Coming, Almost Dying/Kumo Man) una comedia japonesa que puede no ser demasiado graciosa, pero que definitivamente resulta divertida e incluso emotiva.
En Casi Vengo, Casi Muero veremos a un joven tratando de esconder un vergonzoso secreto. Manabu Nakagawa es un joven que no encuentra su lugar dentro de la sociedad, lo cual lo tiene bastante tenso. En víspera de año nuevo, Manabu decide entrar a una “sala de masajes para caballeros” para intentar despejar su mente. Cuando Manabu está a punto de… ejem… “terminar”, se ve afectado por una hemorragia cerebral. Hospitalizado, Manabu no solo deberá reponerse de una condición de salud grave, sino que también hará todo lo posible por mantener el secreto de donde fue que la ambulancia lo encontró en primer lugar.
Debo decir que la trama en Casi Vengo, Casi Muero no es tan extravagante como se podría pensar. Todo el humor se basa en la bochornosa situación del protagonista, de vez en cuando dándonos escenas mitad sueño mitad pesadilla que sufre el personaje principal, escenas que son un poco grotescas pero indudablemente divertidas, sobre todo aquellas en que la mente del personaje decide personificar a la muerte como una botarga de oso que blande un bat de béisbol, algo que resulta graciosos y original.
Fuera de su peculiar punto de partida, la trama no evoluciona mucho que digamos, mayormente enfocándose en las dificultades de Manabu internado en un hospital, lidiando con sondas, tubos, doctores y familiares molestos, algo que suena bastante común para cualquier persona hospitalizada, situaciones que, aunque si resultan chuscas, no son precisamente algo que te haga doblarte de la risa. El humor siempre se siente bastante “cotidiano” (por llamarlo de alguna manera) y puede tornarse algo repetitivo, pero nunca pierde su tono de realismo, lo cual es adecuado ya que la película está basada en una historia real.
Quisiera poder recomendarles Casi Vengo, Casi Muero, pero el humor puede ser demasiado “seco” para algunos, lo cual imagino puede resultar aburrido para más de uno. La trama es demasiado sencilla pero aun con esto el filme se da el lujo de darnos un giro inesperado que resulta gracioso y conmovedor al mismo tiempo, algo que hace que la producción te deje con una buena impresión. No creo que Casi Vengo, Casi Muero sea un filme que abra las puertas a la comedia japonesa, pero resulta una experiencia entretenida y que, aun con lo ridículo de su historia, puede hacerte pensar sobre la vida y la muerte, algo que no es lo que te viene a la mente usualmente cuando hablas de una comedia.

Casi Vengo, Casi Muero: 2/5. Meh.
author image |septiembre 16, 2017

 
Puede que su popularidad cambie con el paso del tiempo, pero es imposible que desaparezcan por completo de la imaginación colectiva, me refiero a las historias de vampiros. Ahora, sé que los más clavados me dirán que los vampiros no tienen nada que ver con los monstruos que se ven dentro de la franquicia de Tokyo Ghoul, a lo cual solo puedo decir que si camina como pato, hace como pato y se ve como pato… el punto es que esta versión cinematográfica de Tokyo Ghoul nos da una visión bastante interesante sobre la figura del vampiro, lo cual siempre es agradable, lo lamentable es que la producción tenga muchos elementos que la hacen difícil de tomar en serio, o por lo menos tan seriamente como el filme pretende ser tomado.
En Tokyo Ghoul veremos a un joven adentrándose a la vida secreta de una sociedad de monstruos que comen carne humana. Durante siglos, monstruos humanoides conocidas como Ghouls han vivido entre los humanos, manteniéndose ocultos para evitar ser cazados debido a que estas criaturas solo pueden alimentarse de carne humana. Es en este extraño mundo donde tras un extraño accidente el estudiante universitario Ken Kaneki (Masataka Kubota) se ve transformado en un Ghoul. Ahora Ken deberá aprender a vivir dentro de la sociedad de Ghouls que viven en Tokio, mientras que al mismo tiempo intenta mantener su propia humanidad.
Estoy adelantándome mucho, pero creo que es importante señalar que tanto el inicio como el desenlace de esta película son lo que hacen difícil tomar la historia en serio PERO el desarrollo de la trama y la forma en que se nos presenta este extraño mundo es lo que hacen que la película valga la pena. Me podrían decir que es algo que se explica mejor en el manga original o en la subsecuente serie de anime, pero tomando en cuenta la forma en que el personaje principal es trasformado en un Ghoul en esta película es, francamente, ridícula y que la única forma de poder tomar en serio es no pensar en ello demasiado, lo cual me parece una pobre excusa para tratar de justificar huecos en la trama, algo que hace que el “drama” en que se ve envuelto el protagonista no deje de sentirse un tanto ridículo.
Lo interesante resulta ver las estructuras sociales de los monstruos y su forma de convivir en una sociedad humana “normal”. Es en este proceso donde la película se torna más interesante, ya que en lugar de ser una historia de “monstruos contra humanos”, el filme se da a la tarea de darnos una tonalidad de grises bastante original, haciéndonos ver que los llamados “monstruos”, a pesar de su desafortunada condición, no son seres completamente desalmados o crueles (no todos al menos) y cuya principal preocupación es la supervivencia; de la misma forma, la historia nos muestra a los cazadores de Ghouls con una tonalidad un tanto siniestra, donde la supervivencia también es la prioridad, pero donde también se asoma un dejo de crueldad y violencia innecesaria en su lucha contra las “malvadas” criaturas.
Todos estos “dilemas morales” que la película se toma el tiempo de ilustrar se ven casi completamente ignorados (y desperdiciados) al llegar al desenlace de la cinta. El clímax del filme se convierte en un “típico” enfrentamiento de “buenos contra malos”, semejante a alguna secuencia de acción sacada de cualquier película de súper héroes contemporánea, excepto que los efectos especiales de Tokyo Ghoul no son malos… son malísimos, lo cual hace imposible tomar en serio el supuesto dramatismo del desenlace.
Lo admito, mi familiaridad con la serie original de Tokyo Ghoul es mínima, por lo que no sabría decirles que tan buena o mala sea esta adaptación cinematográfica comparándola con la versión original, pero lo que sí puedo decir es que la película cumple con su cometido de llamar la atención a un nuevo público. Puede que lo extravagante y ridículo de muchos de sus elementos la hagan difícil de tomar en serio pero Tokyo Ghoul cuenta con suficientes buenas ideas como para hacer que valga la pena ver el filme.

Tokyo Ghoul: 2/5. Meh

Si te gustó, considera ver: Gantz (2011)
author image |septiembre 14, 2017

 
El formato de “found footage” es una técnica muy popular en las películas de terror por dos motivos: en primer lugar ayuda a una producción a tener un marco narrativo interesante, uno en el que se pude inyectar cierto nivel de “realismo” de manera rápida y sencilla; por otro lado, al ser un tipo de filme que (en teoría) necesita poco equipo de filmación y escaso (o nulo) trabajo de post producción, hace que el proyecto sea fácil de producir con un bajo presupuesto. Cuando este formato de “found footage” se utiliza adecuadamente en una película de terror, el resultado es una entretenida y escalofriante experiencia, dos características que Terror Profundo definitivamente no tiene.
En Terror Profundo veremos a un grupo de amigos tratando de sobrevivir en mar abierto en una zona repleta de tiburones. Un buzo australiano encuentra una videograbadora en el mar junto con una tarjeta de memoria que todavía funciona. Al examinar el contenido de la tarjeta se revela lo que fueron las últimas horas de vida de un trio de amigos que tras un accidente se ven abandonados a la mitad de la nada, asechando constantemente por un grupo de tiburones.
La película en un principio trata de mantener su fachada de “realismo” al presentarse como un supuesto documental, uno que es muy poco convincente ya que, supuestamente, vemos el contenido de la grabación original sin ninguna alteración, lo cual es nada creíble cuando tomamos en cuenta que hacer algo así sería de muy mal gusto para los familiares de las personas en un grotesco y trágico accidente, como pretende serlo esta supuesta grabación, no porque el contenido sea demasiado crudo, violento o perturbador, sino porque en él se puede ver un drama barato de traiciones y triángulos amorosos que resulta sacado de una mala telenovela.
La primera mitad del filme nos deja conocer a los protagonistas, o ese sería el caso si hubiera algo que conocerles. Los tres personajes son extraordinariamente aburridos, tipos medianamente atractivos cuya primer y ultima característica importante es que quieren participar en un “reality show”, esto siendo la excusa para grabar todo a su alrededor y documentar su experiencia. Lo ciento, pero si de verdad una persona se viera en una situación tan agobiante y desesperada como la que la película intenta ilustrar, su última preocupación sería tener en la mano una cámara, ya que sus esfuerzos se encaminarían más a buscar una forma de no ser comida de tiburones.
La “tragedia” se anuncia desde que la historia comienza, por lo que ni siquiera puede decirse que es una sorpresa cuando esto ocurre. Después del accidente en altamar, lo único que tenemos es una vista en primera persona de tres aburridas y odiosas personas flotando en el mar, ocasionalmente viendo a un tiburón y… eso es todo, no hay nada más emocionante o llamativo en esta película. La situación es sin duda aterradora, pero la forma en que se presenta es sumamente aburrida y carente de cualquier tipo de emoción o gracia.
Como siempre, trato de ver un lado positivo a cualquier película. Lo mejor que puedo decir sobre Terror Profundo es que es bastante corta, con apenas 80 minutos de duración, minutos que parecen horas a causa del aburrimiento pero por lo menos no es un suplicio que se extienda más allá de lo debido. La película no es entretenida, no es creíble y a menos que ya se tenga alguna fobia relacionada con el mar, no es nada aterradora o emocionante. No creo que exista una película de “found footage” más aburrida que esta, y eso incluye todas insípidas secuelas de Actividad Paranormal que tanto me desagradan.

Terror Profundo: 1/5. Mala.
 
 
 
 
 
 
 
No tan buena como: El Arrecife (2003), La Tormenta Perfecta (2000), Miedo Profundo (2016).
Mejor que: Emoji La Película (2017)
author image |septiembre 10, 2017

 
 
Las adaptaciones de anime y/o manga al cine tienen una mala reputación ¡Y con justa razón! Parece que solo hay dos resultados posibles: Una película tan mala que te hace avergonzarte de llamarte fan del material original o una producción medianamente decente que a duras penas tiene conexión con la propiedad intelectual de origen, esto cuando hablamos de adaptaciones cinematográficas estadounidenses ya que, al parecer, Japón piensa que si quieres una buena adaptación de un manga tienes que hacerla tú mismo, y si Gintama es una indicación de esta creencia, entonces los japoneses tiene toda razón.
En Gintama veremos las aventuras de un samurái en un Japón feudal invadido por seres extraterrestres. Japón era conocido como “la tierra de los samurái”, algo que cambio cuando una raza extraterrestre llegó a la tierra y conquisto el país. Ahora los extraterrestres, conocidos como “Amanto” viven entre los humanos. Es en esta peculiar atmosfera en que seguimos las aventuras de Gintoki Sakata (Shun Oguri), un ex samurái que está dispuesto a hacer cualquier tipo de trabajo con tal de conseguir suficiente dinero y llegar a fin de mes para pagar la renta.
Los puristas pondrán el grito en el cielo, pero la mejor forma en que puedo describir a Gintama (la franquicia en general, no solamente esta película) es la siguiente: Deadpool es al comic norteamericano lo que Gintama es al maga japonés, es decir que Gintama es una mezcla de acción y comedia donde la gran mayoría del humor viene de referencias a la cultura pop (dentro y fuera de Japón) y romper la llamada “cuarta pared”, logrando también darnos secuencias de acción bastante emocionantes, las cuales con mucha frecuencia siempre se ven interrumpidas por aún más ridícula y caótica comedia.
Gintama (como película) abraza todas las características de la obra original, tanto para bien como para mal, ya que el filme en verdad se torna en una caricatura que casualmente es protagonizada por actores de carne y hueso. Toda acción es exagerada, cada escenario extremadamente estilizado hasta hacerlo imposible de tomar en serio, algo que se aprovecha para acentuar aún más la comedia, la cual puede ser muy entretenida pero que en muchas ocasiones depende por completo de la familiaridad del espectador con la “cultura” del anime y el manga. Referencias a Dragon Ball, Gundam , Nausicaa y One Piece son solo algunos ejemplos de las parodias que Gintama lanza al espectador, comedia que resulta sumamente graciosa pero que si el público no tiene la más remota idea sobre esas otras propiedades intelectuales, las referencias no tendrán ningún sentido, perdiendo la gracia casi por completo.
A pesar de ser principalmente una comedia, Gintama logra darnos una buena dosis de secuencias de acción que, de nuevo, parecen sacadas directamente de un manga shonen, con todo el melodrama y clichés que acompañan a este tipo de historias, algo que la misma producción señala cada que puede para romper con la seriedad que algunas escenas podrían alcanzar, exceptuando tal vez durante el desenlace, donde la historia se torna demasiado melodramática para mi gusto.
Puede sonar como la obviedad más grande del mundo pero si son fans del anime y el manga en general Gintama es una muy buena muestra de que este muy específico género es capaz de dar el salto a la pantalla grande sin perder toda la extravagancia que lo vuelve tan llamativo en primer lugar. Si son fans de la cultura anime, Gintama les gustara; si son fans de la obra original amaran Gintama, pero si no caen en ninguna de esas dos categorías Gintama les parecerá una caótica experiencia con poco sentido, pero cuya historia resulta por lo menos interesante por si sola y la extravagancia de su diseño la vuelve algo totalmente fuera de lo común.

Gintama: 3/5. Buena.

Si te gustó, considera ver: Ruroni Kenshin (2012)
author image |septiembre 09, 2017

 
¿“Plagio” o “inspiración”? A veces la línea que divide a estos conceptos puede ser un poco borrosa pero si me preguntan a mí, cuando hablamos de una película por lo menos, plagio es cuando se toma uno o más elementos de alguna otra fuente y se presentan sin ningún cambio significativo, por otro lado, inspiración es también tomar elementos de otra producción pero adaptarlos para que resulten funcionales dentro de la historia que se intenta contar, no nada más darle “copy + paste” a algo. Todo lo anterior viene a colación porque al ver La Maldición Inocente es notable que la cinta toma muchas “inspiraciones” de diversas fuentes, con ello presentándonos una historia propia que resulta interesante pero no precisamente original o escalofriante.
En La Maldición Inocente veremos a un par de jóvenes tratando de esclarecer una serie de desapariciones. Aunque al principio se toman como simples rumores, las misteriosas desapariciones de varios niños y las repentinas muertes de sus padres llama la atención del reportero Shunya Ezaki (Daiki Arioka). Poco a poco la investigación de Ezaki se convenrtira en algo personal cuando su novia, la maestra de preescolar Naomi Harada (Mugi Kadowaki) se involucra con uno de los niños desaparecidos, lo cual la pondrá en contacto con una malévola fuerza sobrenatural. Ahora Shunya y Nahomi deberán despejar el misterio de los asesinatos antes de que sea demasiado y Naomi se convierta en la siguiente víctima.
Como decía en un principio, La Maldición Inocente toma inspiración de muchas fuentes diferentes, principalmente del cuento clásico El Flautista de Hamelin, pero también de elementos de otras producciones de horror japonesas como Ju-On, o incluso historias como Eso de Stephen King. Estos elementos se mezclan entre sí para darnos una interesante historia de misterio que es tanto el punto más fuerte de la producción como la más cuestionable de la misma.
En un principio el filme parece presentársenos como una historia de horror, pero nunca alcanza esa atmosfera “aterradora” que distingue a ese tipo de cintas, en su lugar dándonos una trama de misterio que se va desenvolviendo poco a poco para mostrarnos todas las piezas del rompecabezas, proceso que es interesante pero lento y que provoca poco o nada de miedo. Parte de esta carencia de sustos bien podría ser causa del antagonista, una figura que es mayormente misteriosa, carismática e incluso empática en ocasiones, cualidades que no relacionamos precisamente con “una maligna fuerza sobrenatural”. Puede que la producción esté intentando ir en contra de algunos clichés del género de horror, lo cual es siempre admirable, pero al hacerlo también se pierde ese “algo” distintivo de una película de terror.
Los efectos especiales son prácticamente inexistentes y los pocos que se ven resultan, francamente, ridículos, lo cual tampoco ayuda mucho que digamos a crear la atmosfera adecuada, sin embargo, gracias a un buen trabajo de edición, iluminación y simples pero efectivos trucos de cámara, la cinta logra darnos varias escenas interesantes.
La Maldición Inocente es bastante engañosa en un principio ya que los primeros minutos de la cinta empiezan a alinearse muy bien con lo que relacionamos con una historia de terror, pero la trama rápidamente desvía su camino y sigue una ruta más similar al misterio que al horror, un cambio interesante pero que no deja de sentirse como que nos están dando gato por liebre. La producción es entretenida pero el desenlace se siente sumamente largo y algunos de los elementos “perturbadores” son tan exagerados que rayan en la parodia. Aun con lo anterior creo que vale la pena ver La Maldición Inocente, ya que si ajustan sus expectativas la experiencia no deja de ser entretenida, al menos moderadamente.

La Maldición Inocente: 2/5. Meh.

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author image |septiembre 07, 2017



Cullen Row el hermano de Harper observa por la noticias como los niños de distintas ciudades se vuelven soldados de Mother y empiezan a asesinar a los adultos, ahí entra Spoiler quien se prepara para salir a combatir a los niños, pero son interrumpidos por Red Robin quien aparece por medio de una puerta interdimensional creada por Midnighter.


Red Robin explica que Mother esta mandando una señal de radio por medio de satélites para que los niños asesinen a sus padres y asi unirse a la orden de Mother, asi que tienen una hora antes de que el motín se convierta en guerra.


Red Robin le dice a Spoiler que la necesita para que vigile a Scarecrow quien se encuentra encerrado en una prisión federal a las afueras de Gotham, Cullen decide que quiere ayudar a su hermana asi que va con Red Robin quien lo lleva a la base de Midnighter.


Ahí se encuentran Dick junto con Jason y Batgirl, Midnighter les dice que Mother esta usando receptores en cada ciudad para asi poder controlar a los niños que se encuentren a un kilómetro y medio de distancia del receptor, tambien esta librando el espacio aéreo dentro de ese kilómetro y medio de cada receptor por lo cual no hay aviones que sobrevuelen esos lugares.


Dick menciona que tal vez Mother planea mandar apoyo aéreo a sus niños pero tienen que evitarlo llegando al lugar donde se encuentra Mother para destruir su infraestructura y asi detenerla.


Midnighter les dice que Mother tambien esta evitan que se puedan crear puertas ineterdimensionales dentro del radio de los emisores, asi que si desean acercarse tendrá que ser a la antigua y peleando contra muchos niños.


Midnighter encuentra un lugar en el ártico donde no se están permitiendo crear portales asi que los mas obvio es que sea la base de Mother.


Red Hood menciona que el gas del miedo es lo único que puede sacar a los niños del trance de Ichtys a lo que Dick le dice que esa es parte de su plan.


Así que Jason aparece con una puerta encima de Crane para llevarlo a una planta de producción de gas donde lo obliga a hacer gas del miedo si es que no quiere que Mother gobierne el mundo y lo asesine por ser un cabo suelto.


Crane acepta de mala gana, mientras que Dick consigue apoyo para cada una de las 12 ciudades que están siendo atacadas y el transporte para ellos serán las puertas interdimensionales.


Se ve a los héroes que ayudan en cada una de las ciudades para destruir las antenas que reciben la seña de los satélites Somnus de Mother mientras que Dick se transporta al Ártico para llegar a Mother y detenerla.




CONTINUA EN BATMAN Y ROBIN ETERNAL #24



"TODOS AFUERA"
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