El legítimo orden comiqueril

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author image |septiembre 26, 2017

 
No lo conozco en persona así que esto no es más que mera especulación de mi parte. Darren Aronofsky tiene dos paciones en la vida: Hacer películas atrevidas y traumatizar a su público cada que tenga la oportunidad. Por supuesto que estoy exagerando (muy poquito), pero lo que es cierto es que este director es uno de los más osados dentro del cine que tenemos en la actualidad (por lo menos del considerado cine comercial). Odien o amen el trabajo de este director y aunque no siempre sea para bien, lo que es verdad es que los proyectos de Aronofsky SIEMPRE dan de que hablar, algo que sigue siendo la norma con ¡Madre!, película que imagino provocará algunas opiniones bastante diferentes dependiendo del tipo de público que la vea.
Esta es la parte en que normalmente les cuento la trama del filme en cuestión, pero en esta ocasión eso es algo que simplemente no quiero hacer. Por un lado, como usualmente es el caso en una buena película, entre menos se sepa sobre la cinta más gratas resultaran las sorpresas que la producción le brinda al espectador. Por otro lado, y es algo que en lo que tendré que explayarme un poco más en un momento, el contarles aunque sean unos cuantos detalles de la trama es prácticamente revelar una de las alegorías que maneja todo el filme, revelación que tal vez no arruinaría la cinta pero que terminaría truncando algunas de las ya mencionadas sorpresas, además de que encaminaría a interpretar el filme de una muy específica manera.
Lo siento por ser tan vago en esta ocasión, pero dar demasiados detalles en verdad seria quitarle mucho del “chiste” a la producción. Lo que sí puedo decirles es que no se dejen engañar por el trailer de ¡Madre! Los cortos nos venden una película de terror “tradicional”, pero aunque el filme SÍ cuenta con muchos elementos de horror, la etiqueta que le queda mejor (y hasta eso, no del todo) sería la de drama o suspenso. No me malentiendan, el filme crea una atmosfera agobiante, en ocasiones escalofriante, y el tercer acto sólo puedo calificarlo como “perturbador” y hasta difícil de digerir, pero asustar al público no es la principal preocupación de ¡Madre!, incomodarlo enormemente quizá, pero no necesariamente espantarlo.
De nuevo me veo obligado a ser bastante vago en mi descripción, pero debo decir que las numerosas alegorías que el filme hace pueden ser bastante obvias, tal vez no al principio, pero definitivamente el tipo de metáforas que se utilizan vienen encaminadas a obligar a que el espectador dé una lectura especifica al texto, y aunque evidentemente llegar a esta interpretación es el objetivo del director, hacerlo sería limitar mucho el potencial del filme. La película puede ser muy abstracta cuando se le da la gana, pero en el momento en que se descubre el origen de las alusiones que se hacen durante toda la cinta, la historia pierde su, llamémosle “factor sorpresa”.
Tal vez esto sea decir demasiado, pero creo que el objetivo Aronofsky es presentarnos su versión de un relato conocido por el 80% de la población mundial, esa sería la forma “correcta” de ver el filme, pero creo que como toda obra de arte, ¡Madre! funciona a más de un nivel e invita a más de una interpretación, una que dependerá por completo del espectador. Habrá quienes vean la película como la alegoría que es, otros la verán como un filme sobre ecología o sobre la maternidad o sobre las relaciones de pareja o sobre la creación artística o sobre la relación entre obra literaria, autor y lector, ninguna de estas interpretaciones siendo la “respuesta correcta”, por lo menos no del todo. Por otro lado habrá quienes vean el filme como una incomprensible, pretenciosa y descabellada jalada sin pies ni cabeza, una de esas producciones que se escudan en ser “cine de arte” para darse el lujo de ser tan vagas, abstractas y mamonas solamente para fingir que la película es más inteligente de lo que en realidad es, y por contradictorio que me haga sonar, debo decir que esta también sería una interpretación completamente valida. Al final del día creo que amaran ¡Madre! o la odiaran, no hay medias tintas aquí. Lo que sí es seguro es que, como es costumbre para este director, la película resulta una experiencia no precisamente agradable pero definitivamente una que no podrán olvidar en un laaaargo tiempo.

¡Madre!: 4/5. Muy Buena.
 
 
 
 
 
 
 
 
Mejor que: Noé (2014)
No tan buena como: Réquiem por un Sueño (2000), El Luchador (2008), El Cisne Negro (2010)
author image |septiembre 22, 2017

 
La vida real puede llegar a superar a la ficción, asómense a cualquier libro de historia para comprobarlo (un libro es un artefacto antiguo que existía desde antes del internet y que era una fuente de información). Es cierto que muchas veces una película “basada en hechos reales” tiende a exagerar un poco las cosas, todo con tal de dar un filme entretenido, pero muchas veces la historia misma es tan fascinante, compleja y hasta ridícula que ni el mejor guionista del mundo podría haberla inventado, como es el caso en Barry Seal: Sólo en América.
En Barry Seal: Sólo en América veremos la historia de un piloto norteamericano y como su vida cambia al empezar a trabajar para la CIA. Barry Seal (Tom Cruise) era un talentoso piloto comercial que capta la atención del gobierno norteamericano, quien le ofrece trabajar directamente para la CIA de manera encubierta, algo que Barry acepta casi de inmediato para darle algo emoción a su vida, sin embargo este no sería más que el primer paso que desencadenaría una serie de eventos que cambiaría el rumbo de la historia moderna de todo el continente americano.
Hay una frase que la propia película usa y que encapsula perfectamente el espíritu del filme: “No es un crimen su lo estás haciendo para los buenos”, el problema, claro está, es que usualmente todos creemos ser “los buenos” desde nuestro punto de vista de la historia. Solo en América nos da una perspectiva interesante sobre la vida de su protagonista, una que se ve involucrada en operaciones gubernamentales clandestinas, la guerra fría y tráfico de drogas entre otras tantas cosas.
Aunque el filme no deja de mostrarnos una serie de eventos moralmente cuestionables, logra hacerlo de una manera entretenida, incluso inyectando algo de humor cada que se tiene la oportunidad, algo que se ve ayudado por un ritmo algo acelerado de la trama, que aunque no profundiza demasiado en los hechos históricos que presenta, sí da el contexto suficiente para que cualquiera pueda entender la historia en general, una que es bastante caótica y no deja de ser sorprendente al considerar que son hechos que en verdad sucedieron.
Gran parte del encanto del filme es el carisma de Tom Cruise, quien da un buen papel como el protagonista. No creo que Cruise sea un gran actor para empezar, pero su carisma es innegable, además de que resulta entretenido verlo en pantalla cuando decide hacer bien su trabajo de actor y no dormirse en sus laureles y simplemente verse “bonito” para la cámara (*cof* La Momia *cof). Si acaso las motivaciones del personaje resultan comprensibles para cualquiera, lo acelerado de la trama y el tono de la misma dificulta un poco plasmar el drama por el que Barry llega a pasar.
Barry Seal: Sólo en América encapsula muy bien lo que muchos consideran el “estilo de vida norteamericano”, uno donde la ambición, el talento y el “trabajo duro” se ven recompensados con el éxito, pero que no deja de teñirse de negro al considerar que todo lo que el personaje logra es casi siempre con la mentalidad de “el fin justifica los medios”, una filosofía peligrosa y muy cuestionable, algo cuyas ramificaciones y consecuencias se siguen sintiendo hoy en día. Como ya he dicho, el ritmo de la trama es bastante acelerado, mostrándonos una situación tras otra de manera tan rápida que en ocasiones es difícil de digerir, pero por lo menos esto ayuda a capturar la atención del público de principio a fin. Definitivamente vale la pena ver esta película, tal vez no obligatoriamente en el cine, pero la cinta en verdad merece que le echen un ojo.

Barry Seal: Sólo en América: 3/5. Buena.
 
 
 
 
 
 
Mejor que: El Infiltrado (2016).
No tan buena como: Atrápame Si Puedes (2002), El Fundador (2016), El Lobo de Wall Street (2013)
author image |septiembre 22, 2017

 
Ánima Estudio…  a pesar de lo duro que soy al juzgar el trabajo de este estudio de animación mexicano, esto no se debe a que lo odie, al contrario, creo que esta compañía a probado una y otra vez que sus producciones tienen potencial, no por nada la compañía sigue siendo tan importante en el rubro de la animación en México. El problema que tengo con Ánima es que ese potencial siempre se ve perjudicado por alguna u otra razón, dándonos como resultado una mala película en el peor de los casos o una mediocre en el mejor, tradición que continua con Isla Calaca, filme que muestra el talento del estudio pero cuyo producto final no deja de ser un tanto decepcionante.
En Isla Calaca veremos a un niño descubrir sus raíces. Lucas es un niño aparentemente normal con un secreto que hasta el desconoce: Es un monstruo. Tras descubrir el secreto que su padre le escondió durante toda su vida, Lucas decide ir a su tierra natal, la isla Calvera y así reconectarse con su abuela que ni siquiera sabía que existía, al mismo tiempo tratando de aceptar su propia condición como un monstro.
Hay algo que nadie puede negar, aunque no todos sean tan llamativos o icónicos, Ánima Estudio tiene un muy buen ojo a la hora de diseñar personajes, por lo menos visualmente, algo que sigue siendo cierto en Isla Calaca, el problema es que muchos de estos diseños (tanto de personajes como de escenarios) evidentemente están pensados en dos dimensiones, algo que hace que estos diseños se vean bastante raros al pasar a la animación por computadora en 3D, tal vez no “malos” pero definitivamente “raros”.
¿Cómo decirlo de manera no tan agresiva? La animación en esta película podría ser peor. El hecho de que la mayoría de los personajes no sean humanos ayuda a disimular un poco lo errático de la animación, presentándonos movimientos forzados y casi robóticos en una escena solo para que en la siguiente los personajes parezcan estar hechos de goma. Los escenarios, anqué coloridos y con elementos creativos casi siempre se sienten vacíos, con apenas un puñado de personajes en pantalla al mismo tiempo.
Estaría dispuesto a pasar por alto todo lo anterior si la película contará con una buena historia… pero ese no es el caso. Situaciones basadas completamente en el cliché, motivaciones vagas por parte de los personajes y enormes hoyos en la trama hacen imposible tomar en serio la historia. Cierto, la película nunca pretende ser más que una moderadamente entretenida aventura para niños, pero la trama es una de esas que se desmorona casi por completo cuando te pones a pensar en ella.
Creo que el talento de Ánima Estudio es evidente y que por lo menos en su aspecto visual, aunque no siempre se traslada bien a la pantalla grande, no deja de ser llamativo y original. Es cierto, sería ridículo pedir la misma calidad de animación que Pixar o Dreamworks a un relativamente pequeño estudio mexicano, eso es evidente, pero aunque Ánima no deja de dar pequeños pasos hacia una mejor calidad de animación, los argumentos de sus películas siguen siendo su punto más débil y perdón por sonar tan duro, pero sus guiones no dejan de ser mediocres. El potencial está ahí, solo hay que buscar la forma de aprovecharlo por completo, algo que Isla Calaca no logra.

Isla Calaca: 1/5. Mala.
 
 
 
 
 
 
 
Mejor que: La Leyenda del Chupacabras (2016)
No tan buena como: Guardianes de Oz (2015)
author image |septiembre 21, 2017

 
Siempre que veo una reinterpretación de alguna película ya existente, lo hago esperando lo mejor pero  preparándome para lo peor ya que casi siempre la nueva versión agrega poco o nada a la obra original, colgándose simplemente del nombre de la producción esperando que eso sea suficiente para llamar la atención. Ahora bien, aunque nunca consideré la versión de Eso de 1990 como un clásico del cine de terror, tampoco creía que una nueva entrega fuese necesaria, por lo que resulta bastante agradable que la nueva interpretación cinematográfica sea superior a la anterior, además de que funciona como una muy buena adaptación de la novela original.
En Eso veremos la lucha de un grupo de niños en contra de una extraña y malvada entidad que asecha en un pequeño pueblo.  Tras la trágica desaparición de su hermano menor, Bill Denbrough (Jaeden Lieberher) sigue esperanzado por encontrar a su hermano Georgie. Para encontrar el paradero de Georgie, Bill busca la ayuda de sus amigos de la es cuela con quienes comienza una investigación sobre el pueblo mismo. Después de indagar en la grotesca historia de su pueblo natal, el grupo de amigos se encuentra con una malvada creatura sobrenatural que ha acechado la localidad durante años, un monstruo que los hará enfrentarse a sus más temidas pesadillas.
Tal vez suene descabellado pero la mejor manera en que puedo describir esta nueva versión de Eso es la siguiente: Imaginen la película Cuenta Conmigo y agreguen un malvado payaso sobrenatural, lo cual es adecuado si tomamos en cuenta que esa es otra adaptación de una obra de Stephen King. La película, aunque no deja de ser una cinta de horror, se da el tiempo de darnos muchas escenas de levedad, una en la que vemos la amistad que va creciendo entre los personajes, algo que resulta muy importante para la trama y los propios temas que maneja la cinta.
Aunque no soy para nada fan de niños actores, debo admitir que todo el reparto es muy bueno, cada actor dándole una personalidad muy propia a cada personaje. Lo que puede resultar un poco decepcionante es que no se le da el mismo nivel de atención a todo el grupo de amigos, pero esto  es entendible cuando tomamos en cuenta que la historia prácticamente nos da siete protagonistas distintos, y aunque el tiempo que se le dedica a cada uno no es tan equitativo que digamos, cada actor logra proyectar una personalidad propia muy bien definida y distinta para cada miembro del llamado “club de los perdedores”.
Otro elemento destacable es el propio Bill Skarsgad como Penntwise el Payaso Bailarín, quien gracias a un muy buen trabajo de maquillaje, efectos especiales, iluminación y gran presencia por parte del actor, logra darnos a un monstruo que tal vez no sea completamente terrorífico (por lo menos no todo el tiempo), pero que resulta una presencia incomoda, incluso perturbadora aun cuando se limita a sostener varios globos y mirar de manera intimidante hacia la cámara. Todo este efecto inquietante se ve ampliamente ayudado por una buena ambientación, una que tal vez parezca algo anticuada con su estética de típica “casa embrujada abandonada”, pero que no deja de darnos un escenario adecuado para las escenas de horror.
Vayan preparando sus antorchas y sus amenazas de muerte hacia mi persona, ya que aunque SÍ creo que Eso es una producción que vale mucho la pena, no estoy tan fascinado con la película, por lo menos no tanto como el resto del mundo. El filme es entretenido y tiene sus momentos escalofriantes pero en lo personal, no creo que sea tan “revolucionaria” como muchos dicen. Eso es un ejemplo de que si una producción se da a la tarea de verdaderamente poner atención en cada uno de sus elementos, el resultado final puede ser mucho mejor que la versión original. Antes dije que la adaptación de 1990 no era ningún clásico del género, por lo menos no para mí, pero definitivamente esta versión del 2017 tiene todos los elementos para convertirse en un clásico moderno, pero eso es algo que solo el tiempo nos dirá. Está de más decir que el filme sí resultara aterrador para aquellos con coulrofobia.

Eso: 4/5. Muy buena.
 
 
 
 
 
 
 
 
Mejor que: Eso (1990), Payasos Asesinos del Espacio Exterior (1988).
No tan buena como: Stranger Things (2016). Sí, ya sé que esa es serie pero creo que es mejor.  Nada más no salgan con la tontería de que Eso le copio a Stranger Things, Eso se publicó en 1986.
author image |septiembre 17, 2017

 
La vida puede ser graciosa, no siempre, no todo el tiempo  y definitivamente no con frecuencia, pero con algo de suerte y perspectiva, una anécdota bochornosa puede ser el punto de partida para que alguien cambie su vida para bien, ese es más o menos la idea detrás de Casi Vengo, Casi Muero (Almost Coming, Almost Dying/Kumo Man) una comedia japonesa que puede no ser demasiado graciosa, pero que definitivamente resulta divertida e incluso emotiva.
En Casi Vengo, Casi Muero veremos a un joven tratando de esconder un vergonzoso secreto. Manabu Nakagawa es un joven que no encuentra su lugar dentro de la sociedad, lo cual lo tiene bastante tenso. En víspera de año nuevo, Manabu decide entrar a una “sala de masajes para caballeros” para intentar despejar su mente. Cuando Manabu está a punto de… ejem… “terminar”, se ve afectado por una hemorragia cerebral. Hospitalizado, Manabu no solo deberá reponerse de una condición de salud grave, sino que también hará todo lo posible por mantener el secreto de donde fue que la ambulancia lo encontró en primer lugar.
Debo decir que la trama en Casi Vengo, Casi Muero no es tan extravagante como se podría pensar. Todo el humor se basa en la bochornosa situación del protagonista, de vez en cuando dándonos escenas mitad sueño mitad pesadilla que sufre el personaje principal, escenas que son un poco grotescas pero indudablemente divertidas, sobre todo aquellas en que la mente del personaje decide personificar a la muerte como una botarga de oso que blande un bat de béisbol, algo que resulta graciosos y original.
Fuera de su peculiar punto de partida, la trama no evoluciona mucho que digamos, mayormente enfocándose en las dificultades de Manabu internado en un hospital, lidiando con sondas, tubos, doctores y familiares molestos, algo que suena bastante común para cualquier persona hospitalizada, situaciones que, aunque si resultan chuscas, no son precisamente algo que te haga doblarte de la risa. El humor siempre se siente bastante “cotidiano” (por llamarlo de alguna manera) y puede tornarse algo repetitivo, pero nunca pierde su tono de realismo, lo cual es adecuado ya que la película está basada en una historia real.
Quisiera poder recomendarles Casi Vengo, Casi Muero, pero el humor puede ser demasiado “seco” para algunos, lo cual imagino puede resultar aburrido para más de uno. La trama es demasiado sencilla pero aun con esto el filme se da el lujo de darnos un giro inesperado que resulta gracioso y conmovedor al mismo tiempo, algo que hace que la producción te deje con una buena impresión. No creo que Casi Vengo, Casi Muero sea un filme que abra las puertas a la comedia japonesa, pero resulta una experiencia entretenida y que, aun con lo ridículo de su historia, puede hacerte pensar sobre la vida y la muerte, algo que no es lo que te viene a la mente usualmente cuando hablas de una comedia.

Casi Vengo, Casi Muero: 2/5. Meh.
author image |septiembre 16, 2017

 
Puede que su popularidad cambie con el paso del tiempo, pero es imposible que desaparezcan por completo de la imaginación colectiva, me refiero a las historias de vampiros. Ahora, sé que los más clavados me dirán que los vampiros no tienen nada que ver con los monstruos que se ven dentro de la franquicia de Tokyo Ghoul, a lo cual solo puedo decir que si camina como pato, hace como pato y se ve como pato… el punto es que esta versión cinematográfica de Tokyo Ghoul nos da una visión bastante interesante sobre la figura del vampiro, lo cual siempre es agradable, lo lamentable es que la producción tenga muchos elementos que la hacen difícil de tomar en serio, o por lo menos tan seriamente como el filme pretende ser tomado.
En Tokyo Ghoul veremos a un joven adentrándose a la vida secreta de una sociedad de monstruos que comen carne humana. Durante siglos, monstruos humanoides conocidas como Ghouls han vivido entre los humanos, manteniéndose ocultos para evitar ser cazados debido a que estas criaturas solo pueden alimentarse de carne humana. Es en este extraño mundo donde tras un extraño accidente el estudiante universitario Ken Kaneki (Masataka Kubota) se ve transformado en un Ghoul. Ahora Ken deberá aprender a vivir dentro de la sociedad de Ghouls que viven en Tokio, mientras que al mismo tiempo intenta mantener su propia humanidad.
Estoy adelantándome mucho, pero creo que es importante señalar que tanto el inicio como el desenlace de esta película son lo que hacen difícil tomar la historia en serio PERO el desarrollo de la trama y la forma en que se nos presenta este extraño mundo es lo que hacen que la película valga la pena. Me podrían decir que es algo que se explica mejor en el manga original o en la subsecuente serie de anime, pero tomando en cuenta la forma en que el personaje principal es trasformado en un Ghoul en esta película es, francamente, ridícula y que la única forma de poder tomar en serio es no pensar en ello demasiado, lo cual me parece una pobre excusa para tratar de justificar huecos en la trama, algo que hace que el “drama” en que se ve envuelto el protagonista no deje de sentirse un tanto ridículo.
Lo interesante resulta ver las estructuras sociales de los monstruos y su forma de convivir en una sociedad humana “normal”. Es en este proceso donde la película se torna más interesante, ya que en lugar de ser una historia de “monstruos contra humanos”, el filme se da a la tarea de darnos una tonalidad de grises bastante original, haciéndonos ver que los llamados “monstruos”, a pesar de su desafortunada condición, no son seres completamente desalmados o crueles (no todos al menos) y cuya principal preocupación es la supervivencia; de la misma forma, la historia nos muestra a los cazadores de Ghouls con una tonalidad un tanto siniestra, donde la supervivencia también es la prioridad, pero donde también se asoma un dejo de crueldad y violencia innecesaria en su lucha contra las “malvadas” criaturas.
Todos estos “dilemas morales” que la película se toma el tiempo de ilustrar se ven casi completamente ignorados (y desperdiciados) al llegar al desenlace de la cinta. El clímax del filme se convierte en un “típico” enfrentamiento de “buenos contra malos”, semejante a alguna secuencia de acción sacada de cualquier película de súper héroes contemporánea, excepto que los efectos especiales de Tokyo Ghoul no son malos… son malísimos, lo cual hace imposible tomar en serio el supuesto dramatismo del desenlace.
Lo admito, mi familiaridad con la serie original de Tokyo Ghoul es mínima, por lo que no sabría decirles que tan buena o mala sea esta adaptación cinematográfica comparándola con la versión original, pero lo que sí puedo decir es que la película cumple con su cometido de llamar la atención a un nuevo público. Puede que lo extravagante y ridículo de muchos de sus elementos la hagan difícil de tomar en serio pero Tokyo Ghoul cuenta con suficientes buenas ideas como para hacer que valga la pena ver el filme.

Tokyo Ghoul: 2/5. Meh

Si te gustó, considera ver: Gantz (2011)
author image |septiembre 14, 2017

 
El formato de “found footage” es una técnica muy popular en las películas de terror por dos motivos: en primer lugar ayuda a una producción a tener un marco narrativo interesante, uno en el que se pude inyectar cierto nivel de “realismo” de manera rápida y sencilla; por otro lado, al ser un tipo de filme que (en teoría) necesita poco equipo de filmación y escaso (o nulo) trabajo de post producción, hace que el proyecto sea fácil de producir con un bajo presupuesto. Cuando este formato de “found footage” se utiliza adecuadamente en una película de terror, el resultado es una entretenida y escalofriante experiencia, dos características que Terror Profundo definitivamente no tiene.
En Terror Profundo veremos a un grupo de amigos tratando de sobrevivir en mar abierto en una zona repleta de tiburones. Un buzo australiano encuentra una videograbadora en el mar junto con una tarjeta de memoria que todavía funciona. Al examinar el contenido de la tarjeta se revela lo que fueron las últimas horas de vida de un trio de amigos que tras un accidente se ven abandonados a la mitad de la nada, asechando constantemente por un grupo de tiburones.
La película en un principio trata de mantener su fachada de “realismo” al presentarse como un supuesto documental, uno que es muy poco convincente ya que, supuestamente, vemos el contenido de la grabación original sin ninguna alteración, lo cual es nada creíble cuando tomamos en cuenta que hacer algo así sería de muy mal gusto para los familiares de las personas en un grotesco y trágico accidente, como pretende serlo esta supuesta grabación, no porque el contenido sea demasiado crudo, violento o perturbador, sino porque en él se puede ver un drama barato de traiciones y triángulos amorosos que resulta sacado de una mala telenovela.
La primera mitad del filme nos deja conocer a los protagonistas, o ese sería el caso si hubiera algo que conocerles. Los tres personajes son extraordinariamente aburridos, tipos medianamente atractivos cuya primer y ultima característica importante es que quieren participar en un “reality show”, esto siendo la excusa para grabar todo a su alrededor y documentar su experiencia. Lo ciento, pero si de verdad una persona se viera en una situación tan agobiante y desesperada como la que la película intenta ilustrar, su última preocupación sería tener en la mano una cámara, ya que sus esfuerzos se encaminarían más a buscar una forma de no ser comida de tiburones.
La “tragedia” se anuncia desde que la historia comienza, por lo que ni siquiera puede decirse que es una sorpresa cuando esto ocurre. Después del accidente en altamar, lo único que tenemos es una vista en primera persona de tres aburridas y odiosas personas flotando en el mar, ocasionalmente viendo a un tiburón y… eso es todo, no hay nada más emocionante o llamativo en esta película. La situación es sin duda aterradora, pero la forma en que se presenta es sumamente aburrida y carente de cualquier tipo de emoción o gracia.
Como siempre, trato de ver un lado positivo a cualquier película. Lo mejor que puedo decir sobre Terror Profundo es que es bastante corta, con apenas 80 minutos de duración, minutos que parecen horas a causa del aburrimiento pero por lo menos no es un suplicio que se extienda más allá de lo debido. La película no es entretenida, no es creíble y a menos que ya se tenga alguna fobia relacionada con el mar, no es nada aterradora o emocionante. No creo que exista una película de “found footage” más aburrida que esta, y eso incluye todas insípidas secuelas de Actividad Paranormal que tanto me desagradan.

Terror Profundo: 1/5. Mala.
 
 
 
 
 
 
 
No tan buena como: El Arrecife (2003), La Tormenta Perfecta (2000), Miedo Profundo (2016).
Mejor que: Emoji La Película (2017)
author image |septiembre 10, 2017

 
 
Las adaptaciones de anime y/o manga al cine tienen una mala reputación ¡Y con justa razón! Parece que solo hay dos resultados posibles: Una película tan mala que te hace avergonzarte de llamarte fan del material original o una producción medianamente decente que a duras penas tiene conexión con la propiedad intelectual de origen, esto cuando hablamos de adaptaciones cinematográficas estadounidenses ya que, al parecer, Japón piensa que si quieres una buena adaptación de un manga tienes que hacerla tú mismo, y si Gintama es una indicación de esta creencia, entonces los japoneses tiene toda razón.
En Gintama veremos las aventuras de un samurái en un Japón feudal invadido por seres extraterrestres. Japón era conocido como “la tierra de los samurái”, algo que cambio cuando una raza extraterrestre llegó a la tierra y conquisto el país. Ahora los extraterrestres, conocidos como “Amanto” viven entre los humanos. Es en esta peculiar atmosfera en que seguimos las aventuras de Gintoki Sakata (Shun Oguri), un ex samurái que está dispuesto a hacer cualquier tipo de trabajo con tal de conseguir suficiente dinero y llegar a fin de mes para pagar la renta.
Los puristas pondrán el grito en el cielo, pero la mejor forma en que puedo describir a Gintama (la franquicia en general, no solamente esta película) es la siguiente: Deadpool es al comic norteamericano lo que Gintama es al maga japonés, es decir que Gintama es una mezcla de acción y comedia donde la gran mayoría del humor viene de referencias a la cultura pop (dentro y fuera de Japón) y romper la llamada “cuarta pared”, logrando también darnos secuencias de acción bastante emocionantes, las cuales con mucha frecuencia siempre se ven interrumpidas por aún más ridícula y caótica comedia.
Gintama (como película) abraza todas las características de la obra original, tanto para bien como para mal, ya que el filme en verdad se torna en una caricatura que casualmente es protagonizada por actores de carne y hueso. Toda acción es exagerada, cada escenario extremadamente estilizado hasta hacerlo imposible de tomar en serio, algo que se aprovecha para acentuar aún más la comedia, la cual puede ser muy entretenida pero que en muchas ocasiones depende por completo de la familiaridad del espectador con la “cultura” del anime y el manga. Referencias a Dragon Ball, Gundam , Nausicaa y One Piece son solo algunos ejemplos de las parodias que Gintama lanza al espectador, comedia que resulta sumamente graciosa pero que si el público no tiene la más remota idea sobre esas otras propiedades intelectuales, las referencias no tendrán ningún sentido, perdiendo la gracia casi por completo.
A pesar de ser principalmente una comedia, Gintama logra darnos una buena dosis de secuencias de acción que, de nuevo, parecen sacadas directamente de un manga shonen, con todo el melodrama y clichés que acompañan a este tipo de historias, algo que la misma producción señala cada que puede para romper con la seriedad que algunas escenas podrían alcanzar, exceptuando tal vez durante el desenlace, donde la historia se torna demasiado melodramática para mi gusto.
Puede sonar como la obviedad más grande del mundo pero si son fans del anime y el manga en general Gintama es una muy buena muestra de que este muy específico género es capaz de dar el salto a la pantalla grande sin perder toda la extravagancia que lo vuelve tan llamativo en primer lugar. Si son fans de la cultura anime, Gintama les gustara; si son fans de la obra original amaran Gintama, pero si no caen en ninguna de esas dos categorías Gintama les parecerá una caótica experiencia con poco sentido, pero cuya historia resulta por lo menos interesante por si sola y la extravagancia de su diseño la vuelve algo totalmente fuera de lo común.

Gintama: 3/5. Buena.

Si te gustó, considera ver: Ruroni Kenshin (2012)
author image |septiembre 09, 2017

 
¿“Plagio” o “inspiración”? A veces la línea que divide a estos conceptos puede ser un poco borrosa pero si me preguntan a mí, cuando hablamos de una película por lo menos, plagio es cuando se toma uno o más elementos de alguna otra fuente y se presentan sin ningún cambio significativo, por otro lado, inspiración es también tomar elementos de otra producción pero adaptarlos para que resulten funcionales dentro de la historia que se intenta contar, no nada más darle “copy + paste” a algo. Todo lo anterior viene a colación porque al ver La Maldición Inocente es notable que la cinta toma muchas “inspiraciones” de diversas fuentes, con ello presentándonos una historia propia que resulta interesante pero no precisamente original o escalofriante.
En La Maldición Inocente veremos a un par de jóvenes tratando de esclarecer una serie de desapariciones. Aunque al principio se toman como simples rumores, las misteriosas desapariciones de varios niños y las repentinas muertes de sus padres llama la atención del reportero Shunya Ezaki (Daiki Arioka). Poco a poco la investigación de Ezaki se convenrtira en algo personal cuando su novia, la maestra de preescolar Naomi Harada (Mugi Kadowaki) se involucra con uno de los niños desaparecidos, lo cual la pondrá en contacto con una malévola fuerza sobrenatural. Ahora Shunya y Nahomi deberán despejar el misterio de los asesinatos antes de que sea demasiado y Naomi se convierta en la siguiente víctima.
Como decía en un principio, La Maldición Inocente toma inspiración de muchas fuentes diferentes, principalmente del cuento clásico El Flautista de Hamelin, pero también de elementos de otras producciones de horror japonesas como Ju-On, o incluso historias como Eso de Stephen King. Estos elementos se mezclan entre sí para darnos una interesante historia de misterio que es tanto el punto más fuerte de la producción como la más cuestionable de la misma.
En un principio el filme parece presentársenos como una historia de horror, pero nunca alcanza esa atmosfera “aterradora” que distingue a ese tipo de cintas, en su lugar dándonos una trama de misterio que se va desenvolviendo poco a poco para mostrarnos todas las piezas del rompecabezas, proceso que es interesante pero lento y que provoca poco o nada de miedo. Parte de esta carencia de sustos bien podría ser causa del antagonista, una figura que es mayormente misteriosa, carismática e incluso empática en ocasiones, cualidades que no relacionamos precisamente con “una maligna fuerza sobrenatural”. Puede que la producción esté intentando ir en contra de algunos clichés del género de horror, lo cual es siempre admirable, pero al hacerlo también se pierde ese “algo” distintivo de una película de terror.
Los efectos especiales son prácticamente inexistentes y los pocos que se ven resultan, francamente, ridículos, lo cual tampoco ayuda mucho que digamos a crear la atmosfera adecuada, sin embargo, gracias a un buen trabajo de edición, iluminación y simples pero efectivos trucos de cámara, la cinta logra darnos varias escenas interesantes.
La Maldición Inocente es bastante engañosa en un principio ya que los primeros minutos de la cinta empiezan a alinearse muy bien con lo que relacionamos con una historia de terror, pero la trama rápidamente desvía su camino y sigue una ruta más similar al misterio que al horror, un cambio interesante pero que no deja de sentirse como que nos están dando gato por liebre. La producción es entretenida pero el desenlace se siente sumamente largo y algunos de los elementos “perturbadores” son tan exagerados que rayan en la parodia. Aun con lo anterior creo que vale la pena ver La Maldición Inocente, ya que si ajustan sus expectativas la experiencia no deja de ser entretenida, al menos moderadamente.

La Maldición Inocente: 2/5. Meh.

Si te gustó, considera ver: Boogiepop Phantom (2000)
author image |septiembre 07, 2017

 
Se me están acabando las formas de justificar mi manía de ver todo lo que aparece en el cine en estos días, especialmente cuando se trata de producciones que no me despiertan el más mínimo interés. Tomen el ejemplo de Deep El Pulpo, una película infantil que para mi gusto se veía poco interesante y aburrida pero que podría resultar entretenida para niños chiquitos, especulación que se vio confirmada casi punto por punto después de que vi la película, lo peor del caso es que ni siquiera puedo enojarme, ya que cumplió con esas bajas y nada halagadoras expectativas.
En Deep El Pulpo veremos las aventuras de un pequeño pulpo y sus amigos. Deep es un pequeño octópodo que vive en una comunidad de creaturas marianas junto con su abuelo Kraken. La gran curiosidad de Deep lo hace salir de su colonia y explorar el mundo exterior, algo que provoca un accidente que pone en riesgo a todos los seres vivos en su comunidad. Ahora Deep deberá encontrar una forma de enmendar su error y salvar su hogar antes de que sea demasiado tarde.
Primero que nada tengo que reconocer algo que nunca vi venir y que me tomo totalmente por sorpresa, algo que no creo que cuente como spoiler ya que es algo que se revela en la primera escena del filme. La historia de Deep El Pulpo se desarrolla en un planeta Tierra postapocalíptico donde no existen los seres humanos. Esto suena muy interesante, incluso arriesgado para una película infantil, pero por novedosa que resulte esta idea, la película nunca hace nada con ella más que convertirse en una copia muy mala de Wall-E durante el último acto del filme. Lo anterior solo es un ejemplo de las muchas “inspiraciones” (por no decir plagios) que la película toma de otras mucho, mucho mejores producciones como La Sirenita, Buscando a Nemo o incluso Toy Story, lo cual es muy desafortunado ya que cada que se hace referencia a una de estas (u otras) cintas, lo único que se logra es hacerme querer ver cualquiera de esa otras películas en lugar de ver esta cosa.
Los personajes son tan trillados como podría esperarse de una mala película infantil, para sorpresa de absolutamente nadie, lo que sí resulta sorprendente es el protagonista de la historia, ya que pocas veces he visto un personaje tan odioso en un película. Deep es impulsivo y travieso, evidentemente un niño pequeño (y creo que acabo de descubrir porque me parece tan aberrante), cuyas acciones causan todo el conflicto del filme. Uno pensaría que la lección de la trama es hacer entender a su protagonista que las acciones tienen consecuencias… eso pasaría en una buena película, lo cual Deep El Pulpo definitivamente no es. Al final Deep no aprende absolutamente nada, sigue siendo un mocoso malcriado y grosero que nunca tiene que aprender a ser responsable. Perdón por sonar a un anciano amargado que odia a la juventud de hoy en día pero ¡Por dios! Eso no suena a una lección que quiera darles a mis inexistentes e hipotéticos hijos.
Toda la película rápidamente toma un patrón y nunca se desprende de él. Personajes llegan a un lugar. Personajes conocen a un villano que los amenaza. Villano canta una horrenda e insufrible canción que te hace anhelar el frío y liberador abrazo de la muerte. Protagonistas escapan del villano. Enjuague y repita el proceso hasta caer en coma debido al aburrimiento. Lo único bueno que tengo que decir sobre Deep El Pulpo es que su animación, a pesar de no estar ni cerca de la calidad de otros estudios, resulta bastante decente, nada espectacular pero tampoco es horrenda. La historia es aburrida, los personajes odiosos y el supuesto “humor” es tan divertido como caerte por las escaleras y romperte algún hueso. Deep El Pulpo es la “clásica” película infantil cuyo único objetivo es mostrarle un montón de imágenes coloridas a un niño pequeño y esperar que eso sea suficiente como para que el mocoso se quede tranquilo y cayado por un par de horas mientras papá y mamá toman un descanso de tener que soportar las consecuencias de no usar protección al tener relaciones sexuales. Deep El Pulpo solo será entretenida para niños pequeños, todo aquel que no entre en esa descripción manténgase tan alejado de esta película como sea humanamente posible. En retrospectiva, hay otra cosa buena que tengo que decir sobre Deep El Pulpo ¡Hey! Por lo menos no es Emoji La Película.

Deep El Pulpo: 1/5. Mala.
 
 
 
 
 
 
 
Mejor que: Una “Cigüeña” en Apuros (2017)
No tan buena como: Cualquier otra película infantil de animación de este año, con la obvia excepción de Emoji La Película (2017)
author image |septiembre 05, 2017

 
La figura del espía en el entretenimiento, aunque no exclusivamente, siempre ha estado relacionada con una fantasía de poder. El clásico agente carita, bueno en todo lo que hace, que enfrenta el peligro sin siquiera despeinarse y deseado por toda mujer es una figura prominente en el cine, por lo que cada vez resulta más difícil darnos una interpretación de este arquetipo que resulte algo novedoso. Atómica, no es la primera película (y espero no sea la última) que da un ligero giro a esta fórmula al darnos una protagonista femenina en lugar del usual personaje masculino, y aunque no viene a romper el molde de este tipo de filmes, logra darnos una buena interpretación de este género.
En Atómica veremos a una espía en una peligrosa misión durante en Berlín. El año es 1989 y el final de la Guerra Fría está a la vista, sin embargo, la existencia un de una lista que contiene información sobre agentes secretos en ambos lados de la “cortina de hierro” amenaza con prolongar el conflicto o incluso ser el detonantes de la tercera Guerra Mundial. La inteligencia británica decide enviar a agente Lorraine Brouugthton (Charlize Theron) a Berlín a recuperar la lista y encargarse de un doble agente que parece haber traicionado al gobierno británico.
Hay algo que siempre me causa molestia cuando se presenta en una “película de época”, cuando se trata de ligar un evento histórico real a una historia de ficción, ya que, por ejemplo, en una película sobre la segunda guerra mundial, ya sabemos quién va a ganar el conflicto al final, por lo que parte de la tensión de la historia se ve perdido, por fortuna este no es el caso aquí, algo que, de hecho, la misma película nos deja bastante claro desde el principio. El filme usa el contexto histórico para presentarnos su propia historia, un trasfondo que resulta importante para el desarrollo de la trama pero que no interfiere con los acontecimientos históricos que todos conocemos, creando así su propia narrativa repleta de intriga, traición y subterfugio que es bastante entretenida y envolvente por sí misma.
La trama puede volverse un poco confusa si no se presta suficiente atención, ya que la cinta está repleta de giros, no todos ellos inesperados, que sirven para mantener la atmosfera de peligro y desconfianza entre los personajes todo el tiempo. Lo que resulta interesante es ver como cada personaje tiene un objetivo claro desde el principio, pero sus motivaciones y lealtad son lo que casi siempre se mantiene en duda, tanto para los demás personajes como para el espectador, enganchando con la intriga al espectador.
La acción es muy buena, impresionante en muchos casos pero hay algo que tener en mente, estas escenas no son el enfoque del filme como el trailer podría hacernos pensar. El material promocional nos vende una película llena de acción al estilo John Wick o algo por el estilo, y aunque las escenas están indudablemente a la par (o hasta superiores), el enfoque del filme siempre está sobre la emocionante la intriga de la historia, siendo la acción solo la cereza del delicioso pastel. Usualmente cuando la protagonista tiene el rostro y la complexión de una supermodelo, eso hace que la ilusión de “heroína de acción” se pierda un poco, pero Charlize Theron interpreta su papel de manera muy convincente, dándonos a una protagonista fuerte, segura de sí misma, aunque no por ello infalible, algo que siempre le da más credibilidad a un personaje. Perdón si mis tendencias misóginas se deja ver como casi siempre, pero Theron, a pesar no tener la compleción que normalmente se asocia con una película de acción, en verdad nos convence de que podría patearnos el trasero cualquier día de la semana, siempre viéndose fabulosa en el proceso.
La única desventaja que podría achacarle a la producción es que, como ya mencione, la trama puede volverse un poco confusa, sobre todo al final, pero es algo más o menos normal cuando hablamos de historias sobre espionaje internacional. La acción es muy buena, pero el hecho de que no resulte constante puede que desilusione un poco a más de uno. Al final del día no creo que Atómica vaya a ser revolucionaria dentro cine de espías, pero indudablemente es una buena muestra de lo que se puede lograr con este tipo de historias. Definitivamente vale la pena ver esto en el cine.

Atómica: 3/5. Buena.
 
 
 
 
 
 
Mejor que: Agente Sault (2010), Lucy (2014).
No tan buena como: Puente de Espías (2015). Ya sé que son géneros diferentes, pero no pude evitar hacer la comparación por la ambientación de ambas cintas.
author image |septiembre 03, 2017


No sé a qué se deba, pero me doy cuenta de que la fascinación que genera en la gente la figura del “mundo del hampa” dentro del entretenimiento. Vean, por ejemplo, el éxito de series de televisión como Breaking Bad, películas clásicas como El Padrino o el sin número de series sobre narcotraficantes que existen en la actualidad, todas de una manera u otra romantizando de alguna manera la figura criminal. Este fenómeno no es exclusivo de nuestros tiempo ni de nuestro continente, un ejemplo de esto lo podemos ver en El Vagabundo de Tokio (Tokyo Drifter/Tokyo nagaremono), película que nos da una interesante historia relacionada con la vida criminal japonesa.
En El Vagabundo de Tokio veremos a un joven que se ve perseguido constantemente por su pasado criminal. Tetsuya Hondo (Tetsuya Watari) es un miembro reformado de una banda yakuza que reside en Tokio. Tetsuya, junto con su jefe Kurata (Ryuji Kita) intentan llevar una vida respetable y completamente legal, lo cual los pone en la mira de otro jefe criminal que intentará hacerlos regresar un mundo de actividades ilícitas. Estando en la mira de un peligroso asesino a sueldo, Tetsuya se ve obligado a abandonar todo y buscar un lugar donde su vida no corra peligro.
A pesar del paso del tiempo, esta película de los 60´s no deja de sentirse muy actual, si pasamos por alto la estética y música de la época que constantemente aparecen en pantalla. La historia resulta muy envolvente al enfocarse en Tetsuya, un criminal con una devoción casi siega a su antiguo jefe, algo que es uno de sus mayores atributos y peores defectos. El filme nos muestra un código moral de sus personajes, o en algunos casos la carencia de este, que los define como personas y cuya inflexibilidad ante esta forma de vida es lo que, al final, termina dándoles significado a sus vidas, así como acabando con ellas en muchos casos. Resulta sumamente interesante ver a un hombre que, a pesar de sus genuinas intenciones por enmendar su camino, su pasada vida de violencia y crimen no dejan de atormentarlo a donde quiera que va.
La acción del filme no ha envejecido con tanta gracia como su historia, ya que muchas de estas escenas son tan emocionantes como ver a un grupo de niños jugar con pistolas de agua, sin embargo, estas secuencias cuentan con una cinematografía realmente admirable, dándole a todo el filme una estética muy llamativa y “moderna”. La trama tiene un ritmo bastante agradable y fuera de una pequeña escena que parece sacada de un western gringo, la historia nunca desvía su atención de su protagonista y su lucha por sobrevivir.
Puede que El Vagabundo de Tokio este impregnada de estética e iconografía japonesa, pero los temas que llega a tocar el filme son lo que lo convierten en algo interesante para cualquier tipo de público. No es ningún secreto que el director de este y otros filmes de la época ha sido una gran influencia para cineastas contemporáneos como Quentin Tarantino, algo fácil de notar con esta cinta que (y esto es mera especulación de mi arte) bien podría considerarse como la inspiración para cintas como Kill Bill o proyectos similares sobre el mundo criminal y la venganza. La estética puede lucir un tanto anticuada para nuestros días, pero la atrayente historia que nos cuenta es algo que en verdad vale la pena experimentar, se tenga familiaridad con el cine Yakuza o no.

El Vagabundo de Tokio: 3/5. Buena.

Si te gusto, considera ver: Lupin III: Primer Contacto (2002)
author image |septiembre 02, 2017

 
 
Los que de verdad sepan de cine me podrán corregir, pero aunque considero que una buena película mantiene su calidad a pesar del tiempo o lugar de origen, hay que reconocer que hay otros tantos filmes que son producto específico de su época y su geografía, como es el caso de Marcado para Matar (Koroshi no rakuin), una película japonesa de los años 60´s que cuenta con varios conceptos muy interesantes pero cuya presentación puede alejar a más de un espectador.
En Marcado para Matar veremos a un asesino asueldo lidiando con las consecuencias de su trabajo.  Goro Hanada (Joe Shishido) es el tercer mejor asesino. Por azares del destino, Hanada conoce a la bella y misteriosa Misako Nakajo (Annu Mari), quien lo reclutará para llevar a cabo una misión casi imposible. Al fallar en su encomiendo, Hanada se verá acosado por el asesino número uno, quien poco a poco buscara quitarle la razón antes de arrebatarle la vida.
La historia es más difícil de seguir de lo que se podría creer en un principio, no porque sea demasiado compleja sino por la forma en que se presenta. Muchas escenas parecen existir sin ninguna razón en absoluto, y muchas veces estas mismas escenas se sienten pedantes, queriendo ser “artísticas” y abiertas a la interpretación, pero que en realidad poco o nada ayudan a desarrollar la trama del filme. Este tipo de secuencias parecen intercalarse completamente al azar, lo que en más de una ocasión corta el ritmo de la historia y hace más difícil el seguir el hilo narrativo de la película.
La cuenta con varias escenas de acción que tal vez parezcan algo anticuadas y hasta ridículas si las comparamos con cualquier película contemporánea, pero la ejecución de la acción es buena, en gran medida a un buen trabajo de edición y coreografía que de vez en cuando se da el lujo de inyectar un poco de humor. Si esta dosis de levedad es a propósito o no, es algo que no sabría decirles.
Lo más interesante del filme (consideren lo siguiente como un spoiler), es el antagonista, quien aparece prácticamente en el último acto del filme. Lo más interesante es ver como el personaje principal es atormentado, físico, emocional y psicológicamente por su enemigo, quien lo hace llegar a un estado de locura y ver a Hanada tratar de aferrarse desesperadamente a la poca cordura que le queda, dejándolo exhausto en todo sentido y con solo la más mínima esperanza de sobrevivir, esperanza que bien podría ser solo una ilusión de la trastornada mente del protagonista.
Marcado para Matar resulta una experiencia interesante pero una que resulta difícil de recomendar, más que nada por la alta barrera cultural que la rodea. La cinta nos deja ver varios elementos noir “clásicos” y la interpretación de estos en el cine japonés, adaptación que muchas veces se torna demasiado extravagante como para poder entender por completo. La cinta sin duda cuenta con ideas interesantes pero muchas veces se siente como  si quisiera complicarlas sin ninguna razón aparente. No puedo prometerles que ver esta cinta va a ser algo divertido, pero definitivamente es algo interesante y que no se ve todos los días.

Marcado para Matar: 2/5. Meh.

Si te gustó, considera ver: Golgo 13 (1977)
author image |septiembre 01, 2017

 
Todo mundo lo niega pero todos sufrimos de los mismos. No, no me refiero a miedo a la muerte o a la crisis existencial sufrida cuando te das cuenta que tu vida en la gran escala del universo es minúscula e intrascendente, hablo de que todos tenemos ciertos “gustos culposos”, esas cosas que hacemos y disfrutamos pero que al mismo tiempo nos avergüenza y mataríamos a cualquiera que se enterase de nuestro secreto. Bailar banda estando borracho, cantar a todo pulmón desentonadamente en la regadera o tener más de tres neuronas funcionales y aun así ser fan de Twiligth son solo algunos ejemplos de estos “placeres culposos” y, por lo menos en mi caso, les vengo a hablar de uno que se agrega a mi larga y penosa lista: Guardianes, una cinta rusa que sin duda alguna es una de las peores películas que he visto en mi vida y que, a pesar de ello, disfruté enormemente.
En Guardianes veremos a un equipo de súper humanos tratando de salvar al mundo. En la Madre Rusia, después de la segunda guerra mundial, el gobierno se encargó de experimentar en varios individuos para crear al soldado perfecto. Aun cuando el proyecto fue considerado un fracaso, los pocos sobrevivientes lograron mantenerse ocultos y esconder sus nuevas habilidades sobrehumanas. Cuando un peligroso científico loco amenaza con conquistar el mundo, el ejército ruso deberá reclutar a sus súper soldados para crear el más patético, burdo, ridículo y poco original equipo de súper héroes jamás conocido: Los Guardianes.
Tengo que darle crédito a esta producción, ya que quiere colgarse de la popularidad que goza en estos días todas las películas de súper héroes, esto teniendo el valor de crear su propios personajes originales sin necesidad de basarse en ninguna propiedad intelectual ya existente, digo, estos personajes “originales” plagian todo lo que pueden de todo comic, película o serie de televisión que tenga que ver con súper poderes, haciendo que el término “original” sea bastante cuestionable.
Cada personaje es más trillado que el anterior, de hecho parece que los personajes pelean entre sí para ver quién puede tener la mayor cantidad de clichés al mismo tiempo. Cada personaje tiene la personalidad y carisma de un pedazo de plástico dejado al sol, lo cual es bastante acertado ya que toda la película se siente como un comercial para una serie de figuras de acción que nunca existió.
La propia historia y la manera en que se desarrolla parece sacada de una caricatura de acción ochentera, incluyendo villanos con planes que solo tienen sentido en la mente de un niño alucinando por una sobredosis de azúcar, ejemplo: Parte del plan del villano es robarse un edificio para convertirlo en una especie de antena trasmisora, no, no robarse los planos de un edificio, o un modelo a escala de un edificio o secuestrar al arquitecto que diseñó el edificio, parte del plan es literalmente robarse un edificio y colocarlo en otro lugar ¡Esto es tan estúpido que no podría estar inventándolo por mi cuenta!
Los efectos especiales se verían adecuados para una serie de televisión de bajo presupuesto ya que, aunque no son los peores que haya visto en mi vida, no dejan de ser absurdamente malos. El villano parece una botarga del Dr. Símil sin su bata y hasta elementos comunes y corrientes como piedras se vean falsas ¡Simples piedras! A pesar de lo horrendo de los efectos visuales, ver a un malogrado y ridículo hibrido entre oso y luchador gringo lleno de asteroides es algo tan estúpido que me es inevitable sonreír ante tal vista, algo que mejora aún más cuando este mismo personaje se transforma en un oso completo con una ametralladora en la espalda. Todo esto llega a tal grado de idiotez que da la vuelta completa a la rueda de la imbecilidad y por accidente cae en lo genial.
Lo dije en un principio y lo vuelvo a repetir: Guardianes es una de las peores películas que he visto en mi vida, una que solo una persona con pésimo gusto, el criterio y la mente de un niño de cinco años con una contusión en la cabeza podría apreciar, y para bien o para mal creo que yo soy ese “alguien”. Toda la producción está plagada de detalles tan inverosímiles, ridículos y mal logrados que resulta un espectáculo digno de ver, por lo menos en mi opinión. No, no creo que esta película pueda recomendarse a absolutamente nadie, pero en mi dañada y retorcida mentecilla, Guardianes es una de esas películas que es tan mala que es buena. No la vean, es una completa pérdida de tiempo que no vale la pena, pero ¡Ah! como me hizo reír con su ridiculez.

Guardianes: 0/5. Ofensivamente mala.
 
 
 
 
 
 
Mejor que: Transformers: El Último Caballero (2017)
No tan buena como: Guardianes de la Galaxia (2014) Guardianes de la Galaxia Vol. 2 (2016), Guardianes de Oz (2015), Guardianes de la Bahía (2017). Probablemente cualquier película con la palabra “Guardianes” o una variación de ella en el título.
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