“La magia del cine” es una frase muye común (y el eslogan de cierta cadena de cinemas), cuyo significado es bastante amplio. El cine puede mostrarnos las maravillas de galaxias muy, muy lejanas, llevarnos a donde ningún otro ser humano ha ido antes, contarnos la historia del niño que sobrevivió y un infinito etcétera.  El cine también es capaz de recordarnos la propia belleza de nuestro mundo real y la gente que camina en él. Everest es un ejemplo de este último caso.

Basada en hechos reales, Everest nos relata la historia de varios alpinistas y su travesía para conquistar la montaña más alta del mundo. Sé que esta es la descripción más vaga sombre la trama de una película que haya hecho hasta la fecha, pero decir más que eso sería echar a perder la historia.

La frase “Basada en un hecho real” siempre hace que dude de las intenciones de la producción que las utiliza. Muchas veces esas cinco palabras son utilizadas para justificar una dramatización de los hechos que puede volverse demasiado fantasiosa o incluso irrespetuosa para las personas a quienes se trata de representar. En otras palabras menos payasas, “basada en un hecho real” a veces es una excusa para echarle mucha crema a sus tacos, pero este no es el caso de Everest. Tanto las situaciones como los personajes son establecidos muy eficaz mente, y aunque sin duda se han tomado algunas libertades en cuanto a los hechos, esto es sólo para hacer aun más emocionante la travesía. A fin de cuentas esto es una dramatización, no un documental.

Cada personaje tiene la ventaja de ser basado en personas reales, y quizá esto sería suficiente para darles el realismo necesario, pero la película no se duerme en sus laureles, y nos presenta a cada uno de ellos de manera más intima, contándonos el modo de pensar y los objetivos de todos los personajes involucrados, todos con motivaciones distintas, pero al mismo tiempo con un solo objetivo en común: Conquistar uno de los lugares más bellos y peligrosos de la Tierra.

Lo que destaca sobre la cinta es su atmosfera, y la ya mencionada “magia del cine”. Sinceramente no tengo idea de hasta qué grado se utilizan efectos especiales o que tanto de la cinta es grabada en la locación real, pero de lo que si estoy seguro es de que el espectador en verdad logra sentirse como un viajero más en esta peligrosa travesía, experimentando el vértigo, maravillándose con la belleza de la montaña y, al mismo tiempo, atemorizado por el gran peligro que el Everest representa. La inmersión llega a ser tal que el espectador casi puede sentir los helados vientos de la montaña en el rostro. Eso o el aire acondicionado de la sala estaba a todo lo que daba, pero de que la inmersión es muy buena, de eso no hay duda.

Si he de encontrar una falla en la cinta (y eso supuestamente es más o menos mi trabajo), diría que el tercer acto se desarrolla de manera muy lenta, por lo menos si lo comparamos con otras producciones cinematográficas, pero aun este supuesto “defecto” se utiliza a favor de la historia, haciendo que la situación sea cada vez más tensa y, hasta cierto punto, extenuante.

Everest es una producción que verdaderamente vale la pena experimentar en el cine, aunque al igual que el escalar la montaña, es una experiencia que tal vez no sea adecuada para todo el mundo. La trama se mueve a un paso lento, y aunque esto se utiliza para ir involucrando poco a poco al espectador, hoy en día con súper producciones llenas de explosiones y efectos especiales, la verdad es que no todo público estará conforme con el ritmo de la cinta. Aun con esto, aquellos valientes que logren completar el viaje, podrán tener una experiencia diferente a lo que nos tiene acostumbrado el cine Hollywoodense en la actualidad. Si les interesa, de verdad tienen que ver la película en la pantalla grande.

Everest: 3/5. Buena.

Esta es la parte en la que hablo de producciones similares, y que tan buena o mala es en la película en comparación, pero en este caso no me siento realmente cómodo haciendo eso, así que simplemente y para tener un punto de referencia, les diré sobre producciones parecidas: La Tormenta Perfecta (2000), ¡Viven! (1993), 127 Horas (2011). 

Raven Darholme tiene la habilidad mutante de transformar su cuerpo a voluntad. Gracias a este poder, Mística es inmune a la vejez o las heridas. Además, puede ir a cualquier sitio o ser cualquiera y nunca ha sido reacia a utilizar sus poderes.

Mística también suele ser la líder de la Hermandad de los Mutantes, que lucha por la supervivencia de su raza sin importar los métodos. Pero a pesar de que suele pelear y traicionar a los X-Men, tiene una personalidad compleja.

En los últimos tiempos hemos visto a Mística jugar un papel importante en las películas de X-Men, especialmente en las dos últimas cintas que muestran los orígenes de los X-Men.

¿Qué pasaría si hubiese una mente secreta que controlase toda la actividad criminal de Nueva York, desde las juntas directivas a los callejones oscuros? Puede ser imposible en la vida real, pero en el universo Marvel es exactamente lo que hace Kingpin. Wilson Fisk creció desde el anonimato hasta convertirse en uno de los señores del crimen más importantes del mundo.

Su dinero y sus recursos hacen que sea intocable por los políticos y las fuerzas del orden, mientras que su ejército de matones hace que sea imposible derrocarle por la fuerza. Cuando hasta héroes como Spiderman o Dardevil han fracasado a la hora de derrotar al villano, sabes que es una fuerza a tener en cuenta.

Las arañas tienen 8 patas, al igual que los pulpos. Y gracias a los cuatro brazos mecánicos del Doctor Octopus, hasta la fuerza y lo reflejos de Spiderman pueden ser insuficientes para detener a este villano. Sin embargo, no son estos miembros la principal arma de Otto Octavius, sino su mente privilegiada que ya ha estado a unto de destruir el mundo entero en el pasado.

Otto siempre ha sido uno de los mejores villanos de Spiderman, pero ganó aún más fama en los últimos años gracias a una gran historia en la que robó el cuerpo de Peter Parker y trató de demostrar que podía ser un mejor héroe. Finalmente también fue una victoria para el arácnido, ya que Octavius aprendió una gran lección sobre eso del poder y la responsabilidad. Ahora la duda es si volverá y cómo lo hará.

Apocalipsis es uno de los primeros mutantes del mundo. Nació en el antiguo Egipto y se vio obligado a aprender por las malas que solo sobreviven los más fuertes. Utilizó tecnología celestial para hacerse la persona más fuerte de todo el mundo y viajó durante milenios por el planeta mientras luchaba con personajes como Drácula. Esto le permitió ganar seguidores y fortalecer su evolución. Ahora está empeñado en asegurarse de que solo sobrevivan los más fuertes, sean humanos o mutantes.

Este villano se ve como el dueño del mundo y entre sus poderes están la posibilidad de cambiar su cuerpo o la absorción y emisión de energía.

El nombre Thanos es suficiente para inspirar temor a casi cualquier ser vivo del universo. Se trata de un tirano obsesionado con la muerte. No solo con el concepto y con el acto de matar, sino con la personificación literal de la Muerte. Thanos es capaz de destruir planetas enteros solo para llevarse bien con ella. Le llaman el Titán Loco con razón.

Posiblemente ningún otro villano tenga tantas muertes a sus espaldas. Además, Thanos tiene la costumbre de amplificar su ya considerable poder con artefactos cósmicos como el Guante del Infinito, un arma que le convirtió brevemente en un ser omnipotente capaz de matar a la mitad de los seres vivos del universo.

La saga de Fénix Oscura es posiblemente la mejor historia de los X-Men. En ella se ve una amenaza que nunca han sido capaces de derrotar, Fuerza Fénix. Se trata de una entidad cósmica que poseyó el cuerpo de Jean Grey, algo que le otorgó un poder infinito (y, de paso, un nuevo traje). Cuando Mente Maestra (Master Mind) utilizó sus poderes para controlar a Jean fue corrompida por su poder y se convirtió en el Dark Phoenix.

Esto transformó a Jen en un ser casi celestial de deseo e impulso. Si te parece mal que Galactus coma planetas, que sepas que Fénix Oscuro directamente merienda soles. Finalmente Jean decidió acabar con su vida antes de dejar que el villano campase a sus anchas, aunque, como el Fénix, ha vuelto a la vida una y otra vez.

El Dios de las mentiras y el engaño crea muchos problemas. Y, teniendo en cuenta de qué es dios, es sorprendente cómo tanta gente, ya sean héroes o villanos, se fía de él. Se nota que es bueno en lo que hace.

Loki no suele mancharse las manos, sino que prefiere mentir, manipular y coaccionar a otros para que rompan las cosas. Hasta convenció a Odín de exiliar a Thor. Eso requiere talento. Y mentiras, de las que es el dios. Con la película de Los Vengadores ganó todavía más popularidad.

Sus únicos poderes son la fuerza sobrehumana y una cara rara, así que solo por poder no se puede comparar a Red Skull con otros de los villanos de esta lista. No obstante, consigue un puesto tan alto por pura malicia.

Su alma es tan oscura como el betún y no hay rastro de moral.

Es el nazi que otros nazis quieren llegar a ser. No es que sea un ser incomprendido, es que quiere dominar el planeta.

Magneto es el único villano que también podría aparecer en la lista de los mejores superhéroes. Es el fundador de la Hermandad de Mutantes Malvados y comenzó su carrera obsesionado con hacer de ellos la raza dominante del planeta. Sin embargo, gracias a su amistad con el Profesor X se reformó y pasó a formar parte de los X-Men y a luchar por la idea de una coexistencia pacífica entre mutantes y humanos.

El problema es que después volvió a caer y que a veces se deja llevar por la ira, que nació de ser perseguido durante el Holocausto. Su rabia y su dolor nacen de la tragedia, así que es fácil empatizar con él, pero suele ir un paso más allá y demostrar que tiene más de villano que de héroe.

Con el sí que no hay empatía posible. El Doctor Doom es el paradigma de la arrogancia y el ansia de poder. Cree que es el hombre más talentoso e inteligente del mundo y no para de enfrentarse a los Cuatro Fantásticos para demostrarlo. En ocasiones se alía con los héroes para acabar con un enemigo común, pero siempre con otros planes secretos que le permitan beneficiarse.

Ha sido capaz de crear una máquina para viajar en el tiempo y ha mejorado su armadura con todo tipo de armas, hechizos y trucos que le hacen poder combatir con Iron Man. En resumen, si hay poder, lo quiere y encontrará una forma de tenerlo.

En cierto sentido, es como el Batman del universo Marvel (pero en malvado, claro). Siempre está preparado para lo que sea y tiene la inteligencia necesaria para acabar con cualquiera. Sus robots señuelo también hacen que sea difícil saber si ha sido realmente derrotado. Eso sí, a diferencia del caballero oscuro, utiliza sus poderes para el mal.

Por si necesitas más pruebas de su maldad, que sepas que en una ocasión sacrificó a su mujer (su único amor) a unos demonios para conseguir poder mágico. Le concedieron el deseo y utilizaron su piel para forjarle una nueva armadura. ¡Su piel! Si eso no es maldad...

Es bastante fácil criticar, ser crítico no tanto. La diferencia entre ambas cosas puede ser en apariencia sencilla, pero aun así existe. Al menos desde mi punto de vista, criticar muchas veces se limita a decir “esto no me gusta”  o “esto está bien chido” a una u otra cosa, sin pensar demasiado en él porque; mientras que el ser crítico necesita un poco más de introspección e implica (o por lo menos debería implicar) una explicación más profunda de los cómos y los porqués de ese desagrado o aprobación. Todo este choro mareador es solo una pantalla para fingir que sé de lo que estoy hablando, pero más importante aún, para poder lavarme las manos y decir que, aunque El Agente de C.I.P.O.L es probablemente de mis películas favoritas en este 2015, las razones para ello no son tan imparciales como podría esperarse de un autoproclamado “crítico de cine”.

En El Agente de C.I.P.O.L., veremos las aventuras de dos agentes especiales: Napoleon Solo (Henry Cavill) e Illya Kuryakin (Armie Hammer). Durante la “Guerra Fría”, una amenaza de escala global hace que ambos lados del muro de Berlín deban hacer a un lado sus diferencias y trabajar juntos, para esto, tanto la CIA como la KGB emplean a sus mejores agentes en un intento de evitar un desastre nuclear. Junto con la ayuda de Gaby Teller (Alicia Vikander), los agentes deberán trabajar en conjunto para descubrir el plan secreto de una célula Nazi y evitar que obtengan la capacidad de crear sus propias armas nucleares.

De ante mano debo disculparme por mi falta de originalidad, ya que voy a utilizar un argumento que ya he gastado muchísimo últimamente: Lo primero en lo que pienso cuando escucho “película de espías” es en James Bond y en el caso de El Agente de C.I.P.O.L. la situación se repite, aunque con un pequeño giro: Mientras que las películas de espionaje en la actualidad tratan de mostrar una cara más “moderna” para despertar el interés de un público más actual, El Agente de C.I.P.O.L busca jugar un poco con la nostalgia y evocarnos a algo más “clásico”, algo bastante evidente si consideramos que la historia se sitúa en plena guerra fría. En otras palabras, y para abusar aun más de la comparación con Bond, El Agente de C.I.P.O.L es más Desde Rusia con Amor que Skyfall.

Lamentablemente las comparaciones con otras cintas no terminan ahí. La historia es sacada de una película de acción genérica: Los buenos tienen que detener a los malos antes de que conquisten y/o destruyan el mundo. Fuera de la época de los 60´s donde se sitúa la trama, la verdad es que la producción no hace nada realmente innovador. Por suerte, la simpleza de la trama hace que sea más fácil apreciar a los personajes. Tanto Solo como Kuryakin pueden resultar estereotípicos personajes del genero y la época en que se presentan, pero en lugar de ser copias al carbón de otros protagonistas similares, ambos logran crearse una imagen propia. El hecho de que ambos personajes practiquen ideologías completamente opuestas hace que sus interacciones sean siempre interesantes y, hasta cierto punto, impredecibles, en la mayoría de los casos inyectando a la cinta con una saludable dosis de humor negro que, al menos para mi gusto, siempre es bienvenido.

Creo que hasta el momento no he hecho más que apelar a mi propio gusto por películas “viejitas” de espías, pero déjenme asegurarles que el aprecio por ese tipo de cinta no es necesario para disfrutar de El Agente de C.I.P.O.L. La película cuenta con muchas y variadas escenas de acción que, aunque no sean tan aparatosas o innovadoras, no dejan de ser bastante entretenidas, manteniendo la trama en movimiento, haciendo que el ritmo de la cinta se sienta bastante dinámico pero sin llegar a ser demasiado acelerado o forzado.

¿Recuerdan toda esa faramalla de la que hablaba en un principio sobe critica y crítico? En ocasiones la situación es un poco más difícil, pero lo que es cierto es que muchas veces algo puede gustarnos sin que nosotros mismos podamos definir muy bien el porqué, y para mí, ese es el caso de El Agente de C.I.P.O.L. La película no es verdaderamente lo que podríamos llamar “innovadora”, pero esto no significa que no pueda ser bastante entretenida. Pongamos lo así: Esta película es como escuchar un muy buen cover de una de tus canciones favoritas; es algo que ya has escuchado en el pasado y que quizá no se pueda comparar con la versión original, pero no deja de ser una interpretación diferente de algo que te agrada, con uno que otro toque que lo distingue de la canción original. A pesar que me la he pasado comparándola con otras producciones, la verdad es que El Agente de C.I.P.O.L. es una buena película por su propia cuenta y definitivamente vale la pena verla en el cine.

El Agente de C.I.P.O.L: 3/5. Buena.

No tan buena como: Kingsman: El servicio secreto (2015).

Mejor que: Misión Imposible: Nación Secreta (2015) Aunque debo admitir que esto es un poco injusto de mi parte. Podría decirse que ambas cintas están más o menos a la par en cuanto a calidad, pero la verdad es que me gusto más C.I.P.O.L

“El siguiente articulo representa solo el punto de vista de su autor, y no refleja la opinión ni de Comicorp, ni de los demás colaboradores”

En estas visperas de convenciones veia un detalle que me llamaba la atencion: en nuestro ya de por si saturado mercado de comic de licencia (tema del que estoy escribiendo otro articulo), con las famosas "portadas variantes" que comenzaron como algo gracioso o un incentivo al lector, se ha convertido en una descarada manera de hacer dinero para muchas personas de nula moral (neta, si no las encuentran a precio de portada no las compren en grupos de facebook ¬¬ ). Tal vez algunas de las portadas variantes mas buscadas (y agandalladas) son las de J. Scott Campbell, lo cual me parece curioso, ya que en varias ocasiones me ha tocado escuchar que por la gran demanda de sus portadas (la mayoria con chicas cachondas) son de las favoritas del publico mexicano. Todo esto supondria que "el lector mexicano es fanatico de J Scott Campbell", pero pues como decia cierto conductor de tv hace algunos años: puuuesss no es cierto!!!. 

Ya hace unos dos años que cierta editorial trae "Danger Girl", una obra que originalmente fue un trabajo de autor del propio Campbell, pero yo veo que hay muchos ejemplares arrumbados y a nadie "agandallandolos". A que voy con todo esto, diran ustedes. Pues a nada, solo queria diferenciar que el "lector mexicano" no es fanatico tal cual de Campbell, el lector mexicano es fanatico de cuando Campbell dibuja los personajes que nos gustan ( y no lo critico, el cabron de ahí es de donde come, del negocio de sacar tanta portada variante)

Y ahora si, vamos a hablar de Danger Girl, su intento de tener una obra autoral. Con Andy Hartnell en el guion, Campbell, el cual habia saltado a la fama al dibujar el comic de Gen 13 en Wildstorm ( en aquel entonces Wildstorm era el subsello de Image propiedad de Jim Lee, posteriormente lo venderia a DC Comics), decidio crear a su vez junto con Joe Madureira y Humberto Ramos otro subsello dentro de Wildstorm: Cliffhanger, con lo cual cada quien lanzaria un comic propio: Campbell el ya mencionado Danger Girl, Madureira su controversial Battle Chasers y Ramos su comic de culto Crimson.

Si me preguntaran de que se trata Danger Girl, pues tal vez podria definirlo como "James Bond conoce a Indiana Jones", pero en version femenina, con lo cual mas bien seria "Los Angeles de Charlie reclutan a Lara Croft". La historia se centra en el personaje de Abbey Chase, la cual es una sexy chica/arqueologa/ladrona la cual es reclutada por una agencia de espias dirigidas por un facsimil de Sean Connery, siendo la particularidad de esta agencia el hecho de que todas las agentes son tan hermosas como letales en sus campos de especialidad. Abbey Chase se vera involucrada en una conspiracion que mezcla objetos misticos y los ya clasicos nazis buscando utilizarlos para dominar el mundo (Raiders of the Lost Ark???)

Tal vez "chicas hermosas y letales" suene a demasiado pretexto para que Campbell haga lo que mejor sabe hacer y nos un monton de dibujos llenos de chicas voluptuosas y cachondas, pero realmente el guion de Andy Hartnell logra una historia lo suficientemente interesante para darnos otro motivo para seguir este comic aparte de ver el arte de Campbell. No es secreto que Campbell solo dibujo la miniserie original y despues de esta solo se ha limitado a dibujar la mayoria de las portadas para las historias siguientes, por lo cual la mayoria de la responsabilidad de crear este "universo" que rodea las historias de las chicas peligrosas es a cuenta de Hartnell. La unica queja que pueda haber sobre los guiones posteriores de Danger Girl, es que si bien se han presentado diversas historias interesantes ( y hasta experimentales, como Danger Girl: Kamikaze) a lo largo de los años, realmente el desarrollo y crecimiento de los personajes duro muchos años en el limbo, y hasta hace pocos años, se ha tratado de retomar crear verdaderas secuelas de la historia original.

¿Donde carajo quedo el maldito Agente Zero despues de la historia original???

Pasando al arte de interiores, la principal virtud (y tal vez el mayor obstaculo) es que Campbell dibujara esa ya "legendaria" primera historia, con lo cual dejo la vara muy alta para los dibujantes que le siguieron. Es importante señalar que este comic ha sido uno de los ultimos proyectos donde Campbell realizo interiores para un comic (como les dije antes, las portadas variantes dejan mas lana), ademas de que literalmente tardo "años" en terminarla ( pero psss deperdido termino, ya ven a Madureira, todavia existe pobre gente esperado a que termine Battle Chasers). Regresando a los interiores, el arte de las miniseries siguientes varia demasiado, ya que hay unas excelentemente dibujadas, y otras no tanto. Tal vez las mas recomendables (hablando especificamente del dibujo) son Revolver (que se publica actualmente en Mexico) y la miniserie Mayday.

Para mucha gente Danger Girl es solo "otro comic cachondo hijo de los noventas", lo cual realmente es. En aquel entonces lo que la gente queria ver eran tipos ultramusculosos con chamarras de cuero y ametralladoras y chicas con curvas imposibles y muy poca ropa, pero realmente Danger Girl tiene una historia rescatable que vale la pena y tiene muy buen dibujo (la miniserie original),  por lo cual lo recomiendo para cualquier persona que quiera leer una curiosidad llena de aventuras, ademas para los "fans de Campbell" (esos de los que hablamos hace rato) y aquellos incredulos que jamas han visto un dibujo de Campbell que no sea un Sketch, portada variante o print

Nos leemos en la proxima

The Lord Of Knights

Sé que soy el primero en criticar el cine en la actualidad con el énfasis que hace en efectos especiales creados por computadora, sobre todo en la rama de la animación, pero también hay que aceptar que esto trae grandes beneficios, uno de ellos resulta ser que, precisamente debido a esta sobre explotación del recurso, toda producción que no lo utiliza instantáneamente salta a la vista, separándose fácilmente de “la norma” y cubriéndose de un aire de originalidad. Y ya que tocamos el tema de la originalidad, hablemos sobre Shaun el Cordero.

En Shaun el Cordero veremos las andanzas de Shaun y su rebaño de corderos. Aburrido de su rutina diaria, Shaun planea conseguir un día libre para él y sus amigos, por lo que deberá mantener ocupado al granjero durante un día entero. Todo se sale de control cuando el plan sale demasiado bien y el granjero termina perdido en la gran ciudad. Ahora Shaun deberá rectificar la situación y buscar a su dueño en la ciudad, creando aun más problemas para él y sus amigos en el proceso.

En ocasiones las restricciones que una producción se pone a si misma puede servir para ejercitar la creatividad de todo el proyecto y Shaun el Cordero nos muestra más de un ejemplo de esto. Lo primero que salta a la vista es el uso de la animación “stop motion”, cuyo laborioso proceso es digno de admiración por sí solo, pero no contenta con esto, la película se da a la tarea de mostrarnos una de las mejores implementaciones de este tipo de animación, lo cual no es sorpresa si tomamos en cuenta que es la especialidad de Aardman Animations, que son de los mejores (y pocos) estudios de animación que siguen utilizando esta técnica y que han llegado al punto de perfeccionarla.

Otro elemento muy importante en cualquier película es “no lo digas, muéstralo”, en otras palabras, que las acciones plasmadas en la pantalla muestren por si solas lo que se intenta decir sin abusar demasiado del dialogo entre personajes; Shaun el Cordero soluciona este problema dando énfasis a cada elemento en pantalla al suprimir completamente el dialogo. Así es, en teoría, Shaun el Cordero es una película muda, por lo que la pantomima en general es utilizada para contar su historia. Esto puede que aleje un a alguien que quiera ver algo un poco más tradicional, pero créanme que precisamente esa relativa carencia de diálogos solo ayuda a dar aun más protagonismo a la de por sí ya excelente animación.

Aun con todas estas alabanzas, todavía no toco el punto más importante de la película: el humor. Por un lado, es un poco triste que haya tenido que ver esa película en una sala prácticamente vacía, pero por el otro, nadie tuvo que callarme cada cinco segundos por soltar fuertes y sinceras carcajada. Como siempre, el humor es completamente subjetivo y depende de cada persona, pero para mí, pocas veces he reído tanto en una película como en Shaun el Cordero. No sabría cómo explicarlo, pero el humor simplemente funciona, incluso en ocasiones en las que no debería, por ejemplo, siempre me quejo en una comedia cuando se utiliza una misma broma una y otra vez, Y Shaun tiene un gag visual muy sencillo que se utiliza fácilmente unas cinco veces, cada una igual o más graciosa que la anterior, y ese chiste visual se extiende aun hasta los créditos finales donde se da una revelación que sólo hace más gracioso el chiste.

El cine en general puede ser muchas cosas. Puede hacernos entender más sobre nosotros mismos y el mundo que nos rodea, darnos ideas en las que nunca hemos pensado antes y un gran y extenso “etcétera”, pero también es una forma de entretenimiento, y esa es precisamente la palabra para Shaun el Cordero: Entretenida a más no poder. La historia es sumamente simple, pero su objetivo no es contarnos una historia épica, sino simplemente divertirnos por hora y media, algo que se logra de forma casi perfecta. Si ustedes, al igual que yo, están un poco cansados de tanta animación por computadora donde todo tiene una estética demasiado similar entre una producción y otra, definitivamente denle una oportunidad a Shaun el Cordero, de ser posible mientras aun esta en  los cines, ya que es la mejor manera de apreciar la espectacular animación. Solo una advertencia final, tengan cuidado al consumir bebidas durante la proyección de esta película, muy probablemente los líquidos saldrán expulsados por la nariz a causa de una fuerte e incontrolable risa (true story).

Shaun el Cordero: 4/5. Muy Buena.

Mejor que: Un Gallo con Muchos Huevos (2015), Wallace & Gromit: La Maldicion del Hombre-Conejo (2005).

No tan buena como: … No sé me ocurre nada en este momento… Sólo háganme caso, esta es la película más graciosa que he visto en lo que va del año.

Daredevil: Capitulo 6 – Condemned

Por Dragón Azul

Si leyeron mi reseña del capítulo anterior donde dije que fue un capitulo flojo, en esta tengo que decir todo lo contrario, fue un episodio lleno de emoción donde vemos como los rusos han sido borrados completamente del mapa criminal de Hell’s Kitchen y al mismo tiempo inculpando Matt de todos los homicidios que han ocurrido recientemente.

En la parte donde Vladimir y Matt se encuentran tratando de hacer equipo para huir de un edificio abandonado que ha sido rodeado por la policía de Nueva York llega a su punto culminante cuando Wilson Fisk [Kingpin] al fin hace contacto con su némesis y ambos de declaran la guerra.

Ben Urich ha ido tomando cada vez más protagonismo como el periodista que está en busca de su último gran artículo, pero las piezas del rompecabezas todavía no están claras para el a pesar de que Karen Page lo ha ayudado con toda la información que está a su disposición.

Hemos llegado a la mitad de temporada y la serie de Netflix no ha quedado a deber.

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Por Lestat.

Matt Murdock está atrapado, la policía lo ha descubierto mientras peleaba con Vladimir y ahora está a punto de ver el fin, pues los policías que lo tienen en la mira, son hombres comprados por Fisk, pero antes de que uno de ellos mate a Vladimir, Matt reacciona y logra darles una paliza y escapar con el ruso de quien debe obtener la información necesaria que lo lleve a detener el imperio criminal del rey del crimen. Sin embargo no será fácil pues a cada avance que hace, todo parece ir en contra y Fisk quien controla a todos, la prensa, la policía, los jueces y todo lo que se mueve en la ciudad pone en marcha un plan para desprestigiarlo.

Mientras tanto Karen y Foggy han llevado al hospital a la Sra. Cardenas quien salió herida, pero ahí se percatan que Foggy también está herido producto de las explosiones, así que deberán quedarse ahí y tratar de localizar a Matt quien no aparece por ningún lado, lo que no saben es que su amigo está atrapado con el ruso en un almacén abandonado hasta donde los ha seguido un policía novato que tiene que ser sometido por Matt quien no logra evitar que el policía Sullivan pida refuerzos y lleve a toda la corrupta policía hasta el lugar, además de que Vladimir continua peleando con Matt pues aun cree que el enmascarado mato a su hermano, y no toma en cuenta la ayuda que Matt pidió a Claire por teléfono minutos antes para estabilizarlo y cauterizar la herida de bala que lo estaba desangrando.

Entonces al lugar llega la policía con refuerzos, la prensa y hasta Ben Urich quien está en busca de la verdad y tampoco confía en Fisk, pero un francotirador está en una azotea cercana listo para ejecutar las órdenes de Fisk, quien en un último intento por resolver el problema le pide a Matt que mate al ruso por medio de un Walkie Talkie, pero como es de esperarse Matt se niega y ahí es donde el ruso se da cuenta de la verdad sobre quien mato a su hermano y ahora junto a Matt logran levantar una coladera que los lleva a los túneles del desagüe para escapar, pero hasta ahí son perseguidos por la policía y el ruso al ver que no tendrán escapatoria le da a Matt el nombre de Leland Owlsley quien le dará la respuesta a Matt que necesita para detener al criminal que lo traiciono y le pide a Matt que lo mate pues si no lo hace le hará lo mismo a él y a su familia, así como Fisk destruyo a su propia familia.

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Por VulcanSnake

El capitulo si es tan tremendo es porque. además se sigue perfilando a los personajes y a la trama principal. Para empezar, valoro mucho que se den personalidad y matices a Vladimir. No solo hace que su breve relación con nuestro héroe sea tremendamente disfrutable, sino que hasta da pena su sacrificio. Eso sí, lo más interesante que aporta es una nueva discusión sobre el gran dilema al que se tendrá que enfrentar Matt esta temporada. Ya nos lo dejaron caer en el anterior, pero aquí se concreta: ¿Estará dispuesto a matar a Fisk cuando no le quede otra salida? Como ven, la serie va cocinando los puntos clave.

Por otro lado, Matt está pletórico en este episodio porque no le sale nada a bien, no dejan de aparecer problemas, su victoria parece imposible, cosa que sabe, como se ve en su última conversación con Claire. Pero el sigue, llegando incluso a ser impulsivo.

Esto queda más claro que nunca en su soberbia conversación con un tranquilo e incluso hastiado Wilson. No puede ganar. Todo está en su contra. Fisk puede hacer lo que quiera con la ciudad. Y así lo sentimos. Y sin embargo, Matt consigue el nombre que necesitaba y termina el episodio caminando hacia la cámara como un puto amo. La cosas van cada vez peor, pero él es necio. El personaje y la serie lo petan como nunca.

Hace unos días Capcom reveló nuevas imágenes de los trajes exclusivos de Street Fighter V.
Estos trajes serán exclusivos para los usuarios que reserven el juego en tiendas como Best Buy y GameStop. Entre los aspectos, se puede encontrar Ryu con barba o un nuevo aspecto que rediseña por completo a la popular peleadora Cammy.

El nuevo aspecto de esta peleadora, cambia por completo su vestido y lo más notable es el cambio de cara, ya que posee ojos más redondos a la Cammy original de Street Fighter V.

A pesar de que este personaje ha sido muy bien recibido, en el mercado de Japón los jugadores la han criticado, indicando que no es nada de linda.
Con el nuevo aspecto, dicho mercado ha mostrado su interés por el juego, ya que aseguran que mantiene un aspecto muy parecido al de Ultra Street Fighter IV.

Brian Ashcraft, redactor de Kotaku, asegura que este cambio se debe a las criticas de los fanáticos del mercado de Japón.
Entre las criticas, el cita que Hachima Kikou (link japonés) menciona que los jugadores de dicho mercado aseguran que la nueva Cammy de Street Fighter V esta dirigida para el extranjero.

Cualquiera que sea la razón por la cual Capcom ha tomado esta decisión, es más que obvio que los jugadores de ambos mercados ya están felices porque tienen la Cammy de sus sueños. Recuerda que Street Fighter V se lanzará durante la primavera del 2016 para PlayStation 4 y PC.

A continuación las imágenes:

Battle Costume Ryu (GameStop)

Battle Costume Chun-Li (PlayStation Store)

Battle Costume Cammy (Best Buy)

 Battle Costume M. Bison (Amazon)

 ¿Cuál de las dos Cammy te gusta más? Déjanos saber en los comentarios.

Por lo que he podido escuchar, solo hay de dos sopas: O amas a Seth MacFarlane o lo odias. Y para minar la poca o nula credibilidad que pudiese tener mi opinión, debo contradecirme a mí mismo en este instante y decir que  yo no podría clasificarme en ninguno de esos dos grupos. Usualmente disfruto del tipo de comedía de MacFarlane, pero también es cierto que en muchas ocasiones ese mismo humor resulta más molesto que gracioso, y ambos casos se ilustran bastante bien en Ted 2.

En Ted 2 veremos una vez más a Ted (duh), un oso de peluche que mágicamente cobró vida. Tras su boda, Ted (Seth MacFarlane) empieza a tener problemas en su matrimonio, por lo que junto con su esposa, decide tener un hijo para fortalecer su relación. Desafortunadamente para Ted, esto desencadenara una serie de eventos que pondrán en duda si él, al ser un oso de peluche con conciencia propia, puede considerarse legalmente como un humano o no. Ahora Ted, con la ayuda de su mejor amigo John Bennett (Mark Wahlberg), deberá luchar tanto dentro como fuera de la corte para recuperar su vida.

Al tratarse de una secuela, resulta casi imposible no comparar a Ted 2 con Ted 1, lo cual nos presenta tantos pros como contras. Por un lado, podría lavarme las manos y decir que, si les gusta Ted 1, les gustará Ted 2, pero esto es sólo una verdad a medias. Aunque se utilizan muchísimos elementos de la primera cinta, la secuela también toma notas de la (debatiblemente) más famosa obra de MacFarlane: Family Guy (Padre de Familia, para los del CCH), influencia que se deja ver desde los créditos iníciales, hasta el humor referencial cuya intención no es precisamente hacer que avance la trama, sino simplemente hacer reír, con lo que en muchos casos desvía tanto la atención como la tonalidad de la historia.

El ritmo de la trama puede parecer un poco acelerado, pero esto ayuda a la comedia que se maneja en el film. En ocasiones los cambios son tan drásticos de escena a escena que parece que dos o más guiones se revolvieron durante la filmación de la película, pero en lugar de sentirse fuera de lugar, cada situación se ve ligada una a otra por un elemento muy importante en cualquier tipo de película: sus personajes. Aunque MacFarlane solamente da su voz a Ted, lo cierto es que hay química entre él y el personaje de Mark Wahlberg. Es cierto que la relación entre estos personajes se ha explotado desde la primera cinta, pero aun sin tener ese antecedente, el espectador verdaderamente puede sentir la gran amistad que hay ente John y Ted. A esta dupla se suma la actriz Amanda Seyfried, que se integra bastante bien al grupo, aportando un personaje que no es ni completamente opuesto a los otros, pero tampoco es totalmente diferente a ellos. Estoy consciente que parece que solo estoy cantinfleando en este punto, pero es difícil describir las interacciones entre estos personajes sin dar spoilers.

Como ya mencione anteriormente, el film se apoya muchísimo en el humor referencial, en uno muy sujeto a la cultura pop y a la escena geek en general, lo cual personalmente me encanta, pero que tal vez haga rascarse la cabeza a más de un espectador. Otro problema del film es el subtexto que con el que trata de lidiar, específicamente sobre derechos civiles. Soy de los que piensan que cuando se habla de comedia, o todo es sagrado o nada lo es, en otras palabras, la comedia puede darse el lujo de tocar cualquier tema por frívolo o serio que resulte y trabajar con ello, y aunque Ted 2 nunca llega a ser ofensivo o tomar a la ligera los derechos civiles, resulta imposible negar que este delicado tema se siente un poco fuera de lugar en una película sobre un oso de peluche mágico malhablado aficionado a las drogas.

Sin dar muchos rodeos, Ted 2 me resulto bastante divertida, pero esto no la salva de sus fallas. El humor en ocasiones resulta demasiado caótico, lo cual puede desagradar a algunos, no toda broma resulta divertida, la tonalidad puede ser bastante dispar de escena a escena y el tercer acto es prácticamente una recreación del final de Ted 1. En general, la producción se siente más como una película de Family Guy que como una verdadera secuela de la primera cinta, además de que mucho de lo que se hace Ted 2 ya se vio en la primera parte, por lo que no resulta tan divertido u original. Ted 2 es el tipo de película que no puedo recomendar ver en el cine, no porque sea mala, sino que puedo imaginar que es más fácil disfrutarla en casa, de preferencia con la compañía de amigos (reales o imaginarios) y con el uso de *ejem* “sustancias recreativas” (If you know what I mean…)

Ted 2: 2/5. Meh.

Mejor que: Pixeles (2015) (No que sea algo difícil de lograr…)

No tan buena como: Ted (2012)