Sword Art Online es una mala y estúpida serie, el ejemplo perfecto de anime cliché y aburrido que me ha alejado de la rama geek del anime y el manga. Tal vez muchos se sientan atacados por mi opinión poco o nada popular, pero lo entiendo y de hecho no los culpo, yo también fui fan de series estúpidas cuando era joven, no tan tontas o insípidas como Sword Art Online, pero aun así, lo entiendo. Si no soy ni de cerca fan de esta franquicia ¿Para qué ver una película basada en esta serie? Porque aun cuando mis expectativas estén en los suelos, pienso que si una cinta es lo suficientemente buena puede atraer a todo tipo de público, no solo a los fans ya establecidos de una propiedad intelectual. Sword Art Online: Ordinal Scale no logra cambiar mi opinión en cuanto a esta franquicia en general pero, y en contra de lo que pudieran pensar, la película resulto moderadamente entretenida y no terminé odiándola como en un principio pensé que lo haría.

En Sword Art Online: Ordinal Scale veremos una nueva amenaza a la que se enfrentara un grupo de jóvenes aficionados a los videojuegos. El peor personaje jamás concebido en la historia del anime, Kirito, sigue tratando de adaptarse a su vida normal después del traumático incidente en el que se vio atrapado en un mundo de realidad virtual junto con sus amigos un par de años atrás. Debido a ese incidente, parece que la nueva tendencia en cuanto a entretenimiento ha cambiado de realidad virtual a realidad aumentada, esto con ayuda de un nuevo y avanzado aparato. Escéptico por esta nueva tecnología y por sus experiencias pasadas con sistemas similares, el peor personaje jamás concebido en la historia del anime, Kirito, empezara a descubrir un complot detrás de esta nueva moda, algo que pondría poner en riesgo tanto su vida como la de sus amigos.

Ordinal Scale es una secuela directa de las horrendas series de anime de Sword Art Online, por lo que se asume que el espectador ya debe contar con cierta familiaridad con sus personajes y su mundo, pero aun así, y a diferencia de muchísimas otras películas basadas en series de anime, el filme se da a la tarea de darnos los mínimos datos necesarios para entender la historia principal de esta película y su relación con acontecimientos pasados, algo que parece bastante obvio pero que muchas otras películas basadas en series poco o nunca se toman la molestia de hacer (*cof* Yu-Gi-Oh!: El Lado Oscuro de las Dimensiones *cof*)

Ordinal Scale es consistente con el material original, es decir que además de avanzar la historia ya antes establecida también cuenta con tantos agujeros argumentales que resultan casi un insulto a la lógica. El filme trata de distraernos de su deficiente trama con escenas de acción emocionantes y llamativas, las cuales aunque si resultan muy entretenidas, también cuentan con problemas propios. No es un problema exclusivo de Ordinal Scale, de hecho es un vicio en el que muchas películas de anime han caído últimamente, me refiero a la combinación entre animación tradicional y animación en 3D. Tal vez solo se deba a mis anticuados gustos, pero este tipo de combinación en técnicas de animación siempre me resultan algo forzadas y prácticamente nunca se ven del todo bien, tradición con la que Ordinal Scale continua, pero aun así hasta un antipático ante esta serie como yo debe admitir que estas secuencias de acción son verdaderamente entretenidas y que definitivamente valen la pena ver.

A pesar de contar con un amplio reparto de personajes secundarios, estos poco o ningún impacto en la trama de la cinta, dejando que toda la atención se enfoque en los dos personajes principales. Como ya dije un par de ocasiones de manera tan sutil que tal vez no se dieron cuenta, aunque Kirito es uno de los peores personajes jamás escritos, su relación con Asuna es genuinamente interesante y creíble. La relación amorosa entre ambos personaje se presenta de manera orgánica, dándole un aire de credibilidad que, para ser sincero, creo que nunca había visto en un anime.

Otro elemento destacable es el propio antagonista de la historia. El villano de la historia no es el típico megalómano que quiere dominar el mundo o un sociópata desalmado. La trama se encarga de darnos a un villano interesante que, aunque busca un bien personal a costa de las personas a su alrededor, termina siendo una figura empática y no cae en el cliché del malo que solo es malo porque la película dice que lo es, ese cliché cae en otro personaje.

Sword Art Online: Ordinal Scale no lograra convertir a alguien en un fan de la serie, por lo menos no logro convertirme a mí, pero aun así es una película que cuenta con bastantes elementos interesantes como para llamar la atención. Evidentemente Ordinal Scale será del gran, GRAN agrado de los fans de la franquicia (no que tengan un muy buen gusto que digamos si les gusta Sword Art Online en  primer lugar) y aunque no creo que sea nada del otro mundo, lo cierto es que es mejor de lo que se podría esperar, lo que sea de cada quien, por lo menos es mucho mejor que las vomitivas series en las que está basada.

Sword Art Online: Ordinal Scale: 2/5. Meh. (3/5 para fans de la serie)

 

 

 

 

 

 

 

 

Mejor que: Digimon: La Película (2000) La versión gringa por lo menos.

No tan buena como: Summer Wars (2009)

 

Lo que de Verdad Importa me pone en una situación muy incómoda. Estrictamente hablando, la película es mala a pesar de contar con muy nobles intenciones pero (y es un “pero” bastante grande), sí lo que afirma la producción al final del filme es verdad, no puedo evitar aplaudir el compromiso y dedicación de cada persona involucrada en este proyecto. Sé que esto suena un tanto críptico pero veamos si puedo despejar el asunto en el transcurso de esta reseña

En Lo que de Verdad Importa veremos la historia de un joven con un peculiar don. Alec (Oliver Jackson-Cohen) es un joven cuya vida parece carecer de todo sentido. Agobiado por sus deudas, Alec es contactado por un familiar lejano que promete arreglar todos sus problemas con una sola condición: Alec debe mudarse a Canadá y vivir ahí por todo un año. Sin muchas opciones a la mano, Alec acepta la oferta y al vivir en un pequeño pueblo canadiense comienza a descubrir el curioso pasado de su familia.

No hay vuelta de hoja, Lo que de Verdad Importa es una cinta bastante mala. El primer acto es excesivamente largo y repetitivo, de hecho lo que se podría considerar la verdadera trama inicia alrededor de una hora de que la película empieza. El humor es bastante inofensivo y “blanco”, lo cual no tiene nada de malo pero en realidad, por mucho que la película se esfuerza, el humor nunca funciona. Incluso el mensaje de la historia, aunque bien intencionado, no deja de incomodarme de cierta manera.

Aunque no lo diga explícitamente, la cinta toca el tema de la fe, incluyendo pero no limitándose a la religiosa. No se trata de que tenga algo en contra de la fe como concepto ¡Por Cthulhu! La fe que tengo en que las cosas puedan mejorar es la única razón por la que no me he volado la tapa de los sesos, pero la forma en que esta película maneja el concepto me parece mal encaminado ya que lo relaciona con el muy delicado tema del cáncer infantil. Tal vez de manera natural tener esperanza sea inevitable para cualquier ser humano, pero me preocupa que el mensaje de Lo que de Verdad Importa pueda llegar a malinterpretarse, mesclando los conceptos de “fe” con “falsas esperanzas”, algo que a largo plazo, aun cuando esa no sea la intención de la producción, puede ser algo increíblemente cruel.

Tomando en cuenta todo lo anterior sería fácil tachar a Lo que de Verdad Importa como un desastre, y tal vez lo sea, pero un mensaje durante los créditos hace que mi opinión cambie, por lo menos parcialmente. Durante el final, de manera directa, el director de la película aparece en pantalla y nos invita a promocionar la cinta ya que el 100% de lo recaudado en taquilla será donado a una institución que se encarga de ayudar a niños con cáncer, algo que, de ser cierto, convierte el ver esta película en algo así como un acto de caridad, y por sínico y amargado que yo sea, eso resulta un verdadero gesto admirable y algo que debo aplaudir. A final de cuentas, y aunque tal vez eso haga que me tachen de monstruo desalmado, debo decir que Lo que de Verdad Importa es una de las películas más melosas, aburridas y poco memorables que haya visto, lo siento, la película es mala PERO si su intención de donar sus ganancias a una buena causa resulta algo real y no solo un truco publicitario, entonces sí debo apoyar a la producción y decir que vayan a ver esta película en el cine, no para disfrutar de un buen filme, sino por el simple hecho de que pagar un boleto de cine se pueda convierta en un bien mayor para alguien en verdad necesita.

Lo que de Verdad Importa: 1/5. Mala.

 

 

 

 

 

 

 

Aun así, si tienen oportunidad de verla, háganlo. Es por una causa noble.

Nombre

Ghost In The Shell [攻殻機動隊]

Director

Mamoru Oshii

Música

Kenji Kawai

Duración

1 hr. 23 min.

Demografía

Seinen

Fecha de lanzamiento

23 de septiembre de 1995

Créditos completos

IMDb

Esta entrada habla de la película de 1995. Si estas buscando la reseña de la película del 2017, da clic aquí.

SINOPSIS

Basada en el manga homónimo de Masamune Shirow, Ghost In The Shell nos ubica en un Tokio, que después de la cuarta guerra mundial, es un lugar donde la tecnología se ha amalgamado con las personas al grado de que casi cualquier habitante tiene algún implante cibernético en su organismo.

En este mundo, Motoko Kusanagi esta al frente de la sección 9, organización armada especializada en combatir ataques cibernéticos que se encuentra investigando los delitos cometidos por el "hacker" Puppet Master. Este hacker a través de varias herramientas informáticas a provocado el caos con actos de terrorismo hacia la población en general. La misión de la sección 9 es encontrar a Puppet Master y descubrir cual es su verdadero objetivo.

El puppet Master es capaz de inyectar memorias falsas en sus victimas para manipularlas con tal de conseguir si objetivo, es por esto que todo organismo que este conectado a la red debe ser bastante cuidadoso.

CRÍTICA

Sin duda Ghost In The Shell es una joya de la animación japonesa, desde mi punto de vista es capaz de estar a la par de Akira. La manera en como Mamoru Oshii nos va llevando por este mundo donde la división entre lo humano y lo cibernético es una simple cuestión filosófica porque en la realidad ambas partes se encuentran fusionadas.

En un principio la historia lineal porque simplemente se nos menciona al Puppet Master como un hacker, el vuelco de tuerca viene cuando el Puppet Master se descubre ante Motoko Kusanagi, revelando que fue un programa desarrollado por la sección 6 que fue capaz de tomar conciencia y fue alimentándose de todo el conocimiento reunido en la red.

El punto más impactante es cuando revela a Motoko Kusanagi la razón de porque la esta buscando, esta es la reproducción. Explica la razón de porque ellos tienen que completar el ciclo de sus vidas y dar a origen a un nuevo ser con mayores habilidades y fortalezas a la de sus predecesores.

La ambientación de Ghost In The Shell difiere de varias obras ciberpunk porque la ciudad no tiene “esa vida propia” como lo podría ser Blade Runner o Ergo Proxy. No por esto la ambientación de Ghost In The Shell merece algún desprecio, los fondos son muy detallados, se nota que cada escena fue hecha con mucha atención para darnos una de las mejores obras de la animación japonesa. La musica es otro elemento que no pasa desapercibido y a través del tiempo se volvió icónica dentro de las producciones posteriores de Ghost In The Shell

TRAILER

CALIFICACIÓN

Ghost In The Shell es un "must-watch" sean o no otakus, ha envejecido muy bien y creo que por ahí hay hasta una versión remasterizada.

Este post se escribió escuchando el playlist French Noise.

 

Aunque es una generalización un tanto simplista y muy, muy debatible, creo que no está fuera de lugar decir que, hablando de cine o por lo menos el llamado “cine comercial”, uno de los principales objetivos de una producción es entretener a su audiencia, algo que en ocasiones se logra de una forma en la que no se tenía planeado en primer lugar. Un excelente ejemplo de este fenómeno se puede ver en Mío o de Nadie, un thriller que pretende ser una escalofriante y perturbadora historia sobre obsesión pero que, sobre todo en el último acto, se convierte en una de las comedias involuntarias más divertidas que haya visto (no que esto la convierta en una buena película).

En Mío o de Nadie veremos la malsana obsesión de una mujer por arruinar la nueva relación de su ex marido. Julia (Rosario Dawson) y David (Geoff Stults) han sido pareja por algún tiempo y están listos para llevar su relación al siguiente nivel cuando empiezan a vivir juntos. Aunque todo parece ser miel sobre hojuelas, Julia empieza a tener dificultades al convivir con la ex esposa de David, Tessa (Katherine Heigl), una mujer obsesiva y manipuladora que hará todo lo posible por sabotear la relación entre David y Julia.

La trama de la película es adorablemente estúpida y no tiene ningún sentido ni siquiera dentro de su propio contexto, dándonos hoyos argumentales masivos y que hasta para el más obtuso de los individuos será imposible pasar por alto. Tengo que darles un pequeño ejemplo de ello para tratar de ilustrar el nivel de incompetencia del guion, algo que tal vez se pueda considerar un spoiler, pero seamos honestos, no arruina nada que la propia película no pueda echar a perder por si sola. El personaje principal interpretado por Rosario Dawson es una editora de algún tipo de publicación “online” (aunque no se dan muchos detalles) y se hace hincapié en que su trabajo involucra el uso constante tanto de una computadora como de una conexión a internet. Hasta aquí todo bien, algo creíble en nuestra actualidad, lo que no es ni de cerca tan verosímil es que, supuestamente, este personaje no cuenta con ninguna forma de presencia dentro de las ya tan cotidianas redes sociales, es decir que no cuenta con Facebook, Twitter o ninguna otra de este tipo de herramientas de comunicación masiva actual ¿Y se supone que esta mujer trabaja por internet? ¡Hasta mi madre tiene cuenta de Facebook y eso que nunca ha tocado una computadora en su vida! Puede que para algunos suene exagerado, pero este es solo un ejemplo de las innumerables incongruencias que plagan a esta película.

Lo que puedo aplaudir sin un solo dejo de ironía es la actuación de Rosario Dawson, no que sea espectacular ni mucho menos, pero se nota que la actriz hace su mejor esfuerzo por dar una buena actuación, lo cual debatiblemente logra, pero que el horrendo guion simplemente hace imposible tomar en serio dentro de esta ridícula historia, algo que, por lo menos en mi opinión, refleja el profesionalismo de la actriz ante un proyecto que no merece tal nivel de compromiso. Siguiendo con las actuaciones, Katherine Heigl nos da una entretenidísima interpretación de su personaje, aunque hay que destacar que en su caso “entretenida” y “buena actuación” no son precisamente lo mismo. El personaje de Tessa es caricaturescamente malvado y entre poco y nada sutil en cuanto a sus malas intenciones, algo que se acentúa aún más con la exageradísima sobreactuación de Katherine Heigl, que hace que cualquier villana de telenovela chafa de televisa se quede pendeja en comparación. La actuación es tan mala (y al mismo tiempo entretenida) que parece sacada directamente de La Rosa de Guadalupe o una mierda similar.

Mío o de Nadie es una de las peores películas que he visto durante el año, y a diferencia de otras “malas” producciones, nunca alcanza ese nivel de “es tan mala que es buena”, quedándose en “es tan mala que es horrenda”. No puedo recomendar ver esto a absolutamente a nadie, ni siquiera de manera “irónica”, pero debo admitir que me divirtió muchísimo, haciéndome reír constantemente con su incompetencia disfrazada de drama. Esta cinta tiene la “suerte” de haber sido estrenada el mismo año en que se lanzó Cincuenta Sombras Más Oscuras, ya que de lo contrario Mío o de Nadie ganaría fácilmente ganaría el “honor” de ser la peor película en lo que va del 2017. ¡Oh! ¡Y casi lo olvido! El final es la cosa más ridícula y estúpida que he visto últimamente, toda una oda a la incompetencia y pedantería hollywoodense.

Mío o de Nadie: 1/5. Mala.

 

 

 

 

 

 

 

Mejor que: Presencia Siniestra (2016), Cercana Obsesión (2015).

No tan buena como: Atracción Fatal (1987), Perdida (2014). Comparaciones injustas, lo sé, pero Mío o de Nadie intenta tener una vibra similar a estas películas, fallando espectacularmente.

 

Aunque por lo general una película intenta alcanzar a un público tan amplio como le sea posible, en ocasiones una producción solo tiene a un tipo de espectador en mente y ofrece poco o nada a las personas fuera de dicho grupo. Una Cigüeña en Apuros es un filme que pretende entretener a un público infantil de poca edad, lo cual debatiblemente logra, pero fuera de esa pequeña victoria, la película no ofrece absolutamente nada verdaderamente valioso.

En Una Cigüeña en Apuros veremos las aventuras de una pequeña ave en busca de su familia. Richard es un pequeño gorrión que, tras la trágica perdida de sus padres, es adoptado por una amigable familia de cigüeñas. Al llegar el momento de emigrar y al ver que Richard no es un ave apta para un viaje tan largo, la familia adoptiva del gorrión se ve obligada a dejar al pequeño atrás. Confundido por el abandono y convencido de que el mismo es una verdadera Cigüeña, Richard emprende un peligroso viaje en busca de su familia.

Buscando a Nemo… Perdón por ser tan directo, pero Una Cigüeña en Apuros no es más que la versión pirata de Buscando a Nemo, con pequeños cambios superficiales suficientes como para no provocar una demanda por derechos de autor. La historia es casi la misma, al igual que los personajes y el desarrollo de la trama, esencialmente cambiando solamente peces por aves.

La animación es bastante mala, tal vez no terrible pero definitivamente mala. Los personajes en todo momento muestran un movimiento que resulta extraño, como si la película estuviera permanentemente en aceleración, haciendo que los personajes y sus movimientos se sientan fuera de lugar. De igual forma las texturas cuentan con las mismas características de la mala animación por computadora, es decir que los personajes parecen más como muñecos de plástico que como algo verdaderamente orgánico.

El humor, como todo lo demás, está enfocado a un público muy pequeño, por lo que la comedia se siente sosa y demasiado infantil como para ser verdaderamente graciosa PERO debo admitir que por lo menos un pequeño chiste recurrente que involucra palomas adictas a las redes sociales fue lo suficientemente entretenido como para hacerme reír en un par de ocasiones.

No hay mucho que decir aquí. La historia es casi un plagio descarado, la animación es de baja calidad y a final de cuentas la película no destaca en ningún aspecto ¿Estoy listo para condenar a esta producción como una de las peores del año? Indudablemente, pero es importante señalar que esta apreciación tan dura es en parte a que la producción no está dirigida a un público mayor a cinco o seis año. Lo anterior no justifica lo pobre de la cinta pero debo decir que, por lo menos en la función en la que vi el filme, todos los niños pequeños salieron muy contentos del cine, lo cual es lo que busca lograr Una Cigüeña en Apuros a final de cuentas. Si tienen niños pequeños, Una Cigüeña en Apuros logrará entretenerlos por un rato, pero si piensan llevarlos no olviden tener sus celulares a la mano para poder entretenerse ustedes mismos en lo que se acaba la película.

Una Cigüeña en Apuros: 1/5. Mala.

 

 

 

 

 

 

 

Mejor que: Rock Dog (2016)

No tan buena como: Bailarina (2016), Las Locuras de Robinson Crusoe (2016).

 

Si ya existe un término para ello, sinceramente lo desconozco, pero esta tendencia de hacer superproducciones hollywoodenses extravagantes que fracasan espectacularmente y que siempre cuentan con un extraño sentido de autocomplacencia que termina en desastre se ha vuelto una práctica bastante común últimamente. Drácula: La Leyenda Jamás Contada, El Destino de Júpiter y Dioses de Egipto son los primeros ejemplos que me vienen a la mente en cuanto a estas producciones elegantemente incompetentes y esta “tradición” continua este año con El Rey Arturo: La Leyenda de la Espada, que aunque dista mucho de ser una buena película, su extravagante torpeza tiene un cierto encanto difícil de explicar.

En El Rey Arturo: La Leyenda de la Espada veremos… bueno, creo que el titulo lo dice todo. Después de una cruenta batalla a las puertas de la Camelot, el rey de este legendario reino es traicionado, obligando a un pequeño Arturo Pendragon a escapar en una balsa mientras es testigo del asesinato de sus padres. Creciendo en las calles de una gran metrópolis y con vagos recuerdos de su pasado, Arturo (Charlie Hunnam) se ve obligado por el destino a regresar a Camelot y tomar su lugar como el legítimo rey.

Es curioso ver cómo, a pesar de tener una fuerte influencia en las obra de fantasía medieval, la leyenda Arturiana parece ser imposible de recrear de manera adecuada en la pantalla grande, tradición que El Rey Arturo no planea romper. De hecho, y en un cambio que me parece incomprensible, la interpretación del legendario rey Arturo que vemos en esta cinta tiene mucho más en común con Robin Hood que con el afamado rey de Camelot, presentándonos a un Arturo que roba a los ricos para dar a los pobres y de paso amasar su propia fortuna, esto último sin ninguna motivación aparente.

La estética de todo el filme parece estar desesperada por alejarse de la fantasía y al mismo tiempo no teme agregar elementos mágicos y sobrenaturales siempre y cuando ayude a avanzar la trama, haciendo que la producción se sienta muy indecisa en cuanto a que dirección quiere tomar ¿Falsa “identidad histórica” o cuento de hadas? La película intenta mezclar ambos conceptos pero estos nunca encajan de manera convincente.

Toda la película tiene cierta vibra de video musical noventero que es tanto ridículo como entretenido por su manejo. El filme usa (y abusa) de montajes editados de manera rápida y caótica, algo que ayuda a que la historia siga su marcha pero que, en estos pequeños intervalos que duran si acaso un par de minutos, vemos aventuras y escenas de acción sumamente condensadas, dejándonos ver solamente pequeños rastros de una historia verdaderamente entretenida, o por lo menos mucho más interesante que la supuesta trama principal del filme. Estos montajes se sienten casi como ir a un exótico parque de diversiones pero nunca pasar más allá del estacionamiento.

El Rey Arturo: La Leyenda de la Espada se siente como un absurdo intento de modernizar una leyenda antigua, lo cual es una tremenda estupidez, ya que al hacer algo así se pierde la esencia que ha vuelto tan memorable a la historia original. El Rey Arturo es un desastre de principio a fin, pero por lo menos puedo decir que es un desastre entretenido, como ver a alguien caerse e inevitablemente soltar una carcajada, digo, está bastante mal regodearse en la desgracia ajena, pero al mismo tiempo y de manera involuntaria, es imposible no reírse aunque sea un poco. Para bien o para mal la película nunca cruza esa line de “tan mala que es buena” y se queda simplemente en mala, entretenida tal vez, pero definitivamente mala. No puedo recomendar ver esto pero tampoco voy a negar que me divirtió muchísimo con su falso sentido de grandilocuencia (supongo que ahora sé cómo se siente la gente al leer mis reseñas).

El Rey Arturo: La Leyenda de la Espada: 1/5. Mala.

 

 

 

 

 

 

 

Mejor que: El Rey Arturo (2004)

No tan buena como: La Espada en la Piedra (1963), Excalibur (1981), El Primer Caballero (1995), Los Caballeros de la Mesa Cuadrada (1975).

 

Hacerse de renombre es un arma de dos filos. Por un lado, cuando una franquicia cinematográfica alcanza popularidad debido a su alta calidad, las siguientes entregas de la serie siempre causaran expectativa en cuanto a esa esperada calidad; por otra parte, a veces es casi imposible alcanzar las expectativas que vienen junto con la fama de una franquicia, el ejemplo más reciente de este fenómeno se puede ver en Alien Covenant, película que por sí sola resulta una muy entretenida cinta de ciencia ficción pero que, al tratar de integrarse al universo de la serie Alien, podemos ver que esos zapatos le quedan muy grandes.

En Alien Covenant veremos el encuentro entre un grupo de exploradores espaciales y una mortífera especie alienígena. Mientras la nave espacial “Covenant” se dirige a un nuevo planeta en espera de ser colonizado, la tripulación recibe una transmisión de emergencia que proviene de un planeta cercano. Desviándose un poco de su ruta inicial, parte de la tripulación de la “Covenant” decide investigar el origen de la misteriosa transmisión, algo que pondrá en peligro a toda la nave y sus colonizadores.

Es inevitable comparar Alien Covenant con su antecesora, Prometeo, no solo porque Covenant sea una secuela directa sino también porque ambas cintas recorren un camino muy similar en cuanto a la estructura de sus historias, y es ahí donde surge un problema. Soy de las únicas dos personas que conozco que les gusta Prometeo, y por lo menos en mi caso puedo decir que esa predilección se debe a que la producción intentó despegarse un poco de lo que se espera de una película de la serie Alien, siendo en momentos mucho más ambigua y no tan enfocada al horror y acción a la que nos tiene acostumbrado esta saga, algo que, hasta donde entiendo, es precisamente la razón por la que a nadie le gusta Prometeo. Covenant prefiere jugar a lo seguro y en vez de romper sus propios esquemas, se limita a reproducir algunos aspectos icónicos dentro de esta serie.

Es cierto, una película de Alien no sería lo mismo sin una capaz y fuerte figura femenina como protagonista, un misterioso robot con motivaciones ocultas, efectos especiales interesantes y, probablemente más importantes que todo lo demás, la presencia del propio Xenomorfo, una de las creaturas más aterradoras e icónicas del cine, sin embargo la película nunca hace nada fuera de lo común con estos elementos, dejándonos con la sensación de que el filme está hecho de retazos de cintas anteriores, limitándose así a reproducir este universo ficticio en lugar de expandirlo.

El problema más grande que tengo con la cinta, y estoy consciente que es uno a nivel completamente personal y totalmente parcial, es que el principal objetivo de la película es contarnos precisamente el origen secreto de los temidos Xenomorfos, algo que el filme logra explicar de manera satisfactoria, pero ese es precisamente el problema. Parte del impacto de la figura del monstruo se debe precisamente al misterio que lo envuelve, o mejor dicho envolvía, ya que Covenant se dedica a quitar ese velo de incertidumbre y al hacerlo también logra despojar a la serie de uno de sus elementos más representativos.

Como dije en un principio, Alien Covenant es una buena película de ciencia ficción, con suficiente dosis de acción, aventura y terror para cautivar a cualquiera, pero desafortunadamente se siente como un viaje en el que ya hemos estado antes. La película puede ser una excelente introducción a la franquicia, eso es innegable, pero para aquellos que ya tenemos tiempo en esté universo y que, por ejemplo, ya hemos pasado tiempo en el Nostromos, Covenant no es más que un intento por revivir glorias pasadas. A pesar de lo negativo que sueno, debo decir que la película es muy entretenida y definitivamente vale la pena verla, como ya dije, por si sola la cinta es una buena forma de pasar el rato, pero al tratarse de incorporarse a la mitología de la serie, Alien Covenant simplemente no da el ancho. Lo que sea de cada quien, la franquicia ha pasado por cosas mucho, mucho peores y sobrevivido, por lo cual dudo mucho que esta sea la última vez que vemos a estas creaturas en la pantalla grande.

Alien Covenant: 3/5. Buena.

 

 

 

 

 

 

Mejor que: Alien 3 (1992), Alien: Resurrección (1997), Alien vs Depredador (2004), Alien vs Depredador 2 (2007).

No tan buena como: Alien (1979), Aliens (1986), Prometeo (2012).

 

Hay algo muy importante en la comedia que tal vez no se menciona demasiado ya que es bastante obvio (y esta vez no hablo de la subjetividad del género). Cualquier persona puede contar un chiste pero un elemento importante es quien lo cuenta, la gracia con la que lo hace y en general la personalidad del comediante. Lo que trato de decir es que en ocasiones, si un comediante te cae mal, por muy bueno que sea su material será casi imposible que te haga reír ¿Qué tiene esto que ver con Cómo Ser un Latin Lover? Que para bien o para mal, la gracia (o carencia de ella) recae casi exclusivamente en Eugenio Derbez, en otras palabras, si es que encuentran gracioso a Derbez la película resultará divertida para ustedes, pero si no tienen ni la más mínima empatía por este comediante, el filme pasa con más pena que gloria.

En Cómo Ser Un Latin Lover veremos las aventuras de un cazafortunas. Desde que era niño, Maximo (Eugenio Derbez) ha tenido la intención de ser adinerado sin tener que trabajar en lo absoluto para ello. Con esto en mente, Maximo se casa con una mujer mayor quien lo mantiene y cumple todo capricho suyo. La vida de Maximo es todo un sueño hasta que su esposa encuentra a un amante más joven, dejando a Maximo en la calle. Sin más opciones a la mano, Maximo se ve obligado a buscar refugio con su hermana Sara (Salma Hayek) mientras encuentra la manera de conquistar a otra anciana adinerada y poder seguir viviendo como un mantenido.

La historia es el típico cuento del timador con corazón de oro, lo cual no es demasiado interesante que digamos, pero lo que sí logró llamar mi atención es el arco del personaje por el que pasa el protagonista. Como casi siempre, no daré muchos detalles pero lo siguiente bien puede considerarse un spoiler, sobre aviso no hay engaño. Normalmente en este tipo de tramas el personaje principal se da cuenta de sus errores y cambia su forma de ser para convertirse en una mejor persona, algo que no ocurre realmente en esta película. A lo largo de la cinta Maximo aprende a valorar a su familia y crear verdaderos lazos con ellos que van más allá de su beneficio personal PERO al final de la historia el personaje sigue teniendo los mismos objetivos de ser un vago por el resto de su vida, algo que en retrospectiva resulta por lo menos moderadamente divertido, además de que rompe un poco con lo que se espera de este tipo de historias. Fin del semi-spoiler.

No sé si sea parte del diseño de la comedia o un accidente, pero aunque el personaje de Eugenio Derbez es indudablemente el protagonista de la historia, casi siempre su “fama” se ve eclipsada por el gran número de cameos de actores Hollywoodenses que son mucho más famosos que el (por lo menos en Estados Unidos), celebridades como Michael Cera, Krinsten Bell o el más grande regalo de dios al mundo, conocido como “Weird Al” Yankovick, solo por mencionar a alguno, todos ellos teniendo participaciones mínimas pero que debido a ser personalidades tan reconocidas, siempre terminan robando la atención al público.

La comedia no resulta nada del otro mundo, sobre todo si a se está familiarizado con el trabajo de Derbez. Juego de palabras y una pequeña dosis de comedia física se ven a lo largo de toda la película pero, de nuevo, las “payasadas” de Derbez resultaran graciosas solamente para aquellos que simpaticen con el comediante. Algo que resulta más fácil de clasificar es la participación de Salma Hayek, que por lo menos para mí resulta tan graciosa como una patada en la en la entrepierna. Puede que Hayek sea una actriz famosa dentro y fuera de México, pero algo que definitivamente no se le da es la comedia.

La pregunta importante aquí: ¿La película vale la pena? Estrictamente hablando debo decir que no. La comedia es simple, nunca hace algo que resulte verdaderamente inesperado y la trama recorre el camino que se espera de principio a fin. Aun con lo anterior, y sé que es una defensa bastante pobre, la cinta resulta moderadamente entretenida y no una tortura de chistes malos que dan dolor de cabeza, como muchas otras “comedias” últimamente. Si son fans de Derbez estoy seguro de que pasaran un rato agradable y para los que no lo sean, bueno, hay peores formas de perder el tiempo.

Cómo Ser Un Latin Lover: 2/5. Meh.

 

 

 

 

 

 

 

 

Mejor que: No Eres Tú, Soy Yo (2010), Jack y Jill (2011) (No es el protagonista, pero también sale Derbez)

No tan buena: No Se Aceptan Devoluciones (2013).

Está es la nueva serie original de Netflix, basada en el libro homónimo de Jay Asher, que ha creado un gran escándalo por tomar temas “delicados” como el bullying y el suicidio entre adolescentes. Gracias a ese escándalo es que tome todo un día para ver los trece capítulos de corrido y darles mi humilde opinión sobre esta serie.

Clay es un chico “normal” de tercero de preparatoria que un día recibe un paquete con trece cassettes donde Hannah Baker, una chica que sin razón aparente decidió terminar con su vida. En cada una de estas cintas Hannah va describiendo cada una de las situaciones y señalando a las personas que la obligaron a tomar la decisión de suicidarse.

Por otro lado estan la gran cantidad de hoyos argumentales dentro de la historia, por ejemplo

[SPOILER]

Alrededor del capitulo seis se ve a Clay teniendo alucinaciones (supongo) por el impacto emocional que le provoca escuchar las cintas que grabó Hannah, sus padres (unos verdaderos idiotas) sospechan que algo no anda bien con Clay y debe de regresar a tomar sus medicamentos… nunca se nos dice que es lo que tiene Clay ¿por qué debe de tomar medicinas o qué problema tiene?

[SPOILER]

la serie aborda y omite temas a conveniencia, al punto de que en muchos casos me hizo pensar que solo eran relleno para completar los trece capítulos.

Los personajes que hacen “un martirio” de la vida de Hannah es muchos casos son un estereotipo al punto de que llegan a verse tan planos que la única motivación que tienen es joder a Hannah sin razón aparente.

No todo es malo, conforme avanzan los capítulos se puede apreciar como va cambiando la iluminación dentro la serie porque al principio los capítulos son muy brillantes pero conforme se va acercando el final los colores se vuelven opacos y priman las mezclas de grises, algo al estilo de la película thirteen (2003).

El cierre de la serie se vio apresurado al notar que la gran mayoría de los motivos por lo que Hannah se suicida son ridículos y recurren a algo realmente traumatizante con el objetivo de que así logres sentir algo de empatía por el personaje.

Para no alargarme demasiado, la serie es regular, no es el peor bodrio que vas a encontrar en Netflix pero tampoco es una joya. Recomiendo ver la serie con calma, no vale la pena que tiren trece horas de corrido como lo hice yo. Si es necesario darle una calificación a esta producción, es de 2.5 de 5, no es tan buena como el hype que generó y no entiendo de donde van a sacar material para una segunda temporada. Si quieren ver algo parecido, mejor vean la película thirteen.

Este post se escribió escuchando el playlist Deadmau5 Chill de Tor Hokon Saerland

Nos leemos luego gente.

Estoy tan fastidiado de que la gran mayoría de las películas de terror sean historias relacionadas con exorcismos que casi olvido otra gran convención del género, los relatos sobre leyendas urbanas. No Toques Dos Veces intenta ser una combinación entre leyenda urbana e historia de horror tradicional, tomando elementos de ambas fórmulas y combinándolos de manera no muy efectiva que digamos, pero que al menos intenta dar un giro a la fórmula de película de terror, el resultado no es demasiado bueno pero por lo menos tiene algunos detalles interesantes.

En No Toques Dos Veces veremos la angustia que pasa una madre y su hija al ser acosadas por una fuerza sobrenatural. Después de años de separación a causa de su adicción a las drogas, Jess (Katee Sackhoff) se reúne con su hija Chloe (Lucy Boyton). Mientras que Jess intenta reconciliarse con su hija, Chloe empieza a ser atacada por una fuerza malévola que aparentemente tiene relación con su infancia. Ahora Jess se verá obligada a luchas contra lo sobrenatural para poder proteger a su hija y al mismo tiempo descubrir cuál es el secreto detrás de la presencia maligna.

Debo decir que la película me tomo por sorpresa, no tanto porque se verdaderamente original, sino que la cinta no pierde el tiempo e inmediatamente comienza a darnos escenas relativamente espeluznantes, algo que, después de todo, es precisamente lo que uno espera ver en una película de terror. El problema con esto es que estas escenas de horror se presentan de manera tan rápida que no se da tiempo suficiente para crear una atmosfera adecuada alrededor de ellas.

La película trata va dándonos más detalles sobre la trama conforme el filme avanza, explicándonos los cómos y los porqués de los sucesos sobrenaturales, pero incluso aquí se presentan problemas, ya que se plantean varias reglas alrededor de la fuerza maligna y en realidad solo termina utilizándose una de ellas de manera consistente, lo cual es fundamental para el giro inesperado final pero si ese es el caso ¿Para qué plantear varias reglas si solo vas a utilizar una de ellas?

La historia pretende darnos un final inesperado, algo que parcialmente logra pero que no deja de sentirse como un truco de magia barato. No voy a dar demasiados detalles para no arruinarles la sorpresa, pero aun así lo siguiente podría considerarse un spoiler. A la mitad de la trama se nos da una revelación importante seguida de una segunda que contradice a la primera, y al acercarse el desenlace del filme el gran giro inesperado es: que la primera revelación era la correcta desde el principio, además que el villano es revelado prácticamente desde el principio de manera no muy sutil que digamos, algo que cualquiera que esté poniendo atención a la trama podrá identificar inmediatamente (fin del semi spoiler). Este giro confunde confusión con complejidad, conceptos que pueden estar relacionados pero que definitivamente no son sinónimos, aunque la producción crea que sí lo son.

El problema más grande de No Toques Dos Veces es que se complica a si misma de manera innecesaria, pero lo que sea de cada quien, siempre preferiré una película que intenta implementar una narrativa interesante (aunque falle) a un filme que solo se limita a “copiar y pegar” un concepto ya visto hasta el cansancio. La cinta al menos logra darnos unos cuantos momentos espeluznantes, lo cual tal vez sea suficientemente bueno para algunos pero a largo plazo no dejan ningún impacto duradero. Aunque no puedo recomendar ver la película, tampoco me atrevería a decir que es una total pérdida de tiempo. Sé que es la opinión menos valida y más vaga que se puede hacer al dar una reseña pero lo más que puedo decir sobre No Toques Dos Veces es que he visto cosas peores, pero también he visto otras tantas mejores.

No Toques Dos Veces: 2/5. Meh.

 

 

 

 

 

 

 

 

Mejor que: Experimento Exorcista (2016), La Reencarnación (2016), El Exorcismo de Anna Waters (2016).

No tan buena como: Cuando las Luces Se Apagan (2016), La Cura Siniestra (2017), Arrástrame al Infierno (2009).

 

No creo ser el único que piensa que Los Guardianes de la Galaxia fue una de las sorpresas más agradables que nos ha dado Marvel Studios hasta la fecha, en gran parte porque al ser una de las propiedades intelectuales menos conocidas de la llamada casa de las ideas, nadie esperaba nada de esa primera producción. Es la gran popularidad de la primera cinta lo que logro que ahora Star-Lord y compañía sean mundialmente reconocidos y, paradójicamente, gracias a esto ya no cuentan con ese “elemento sorpresa” que una vez tuvieron para asombrarnos, es precisamente por esto que Los Guardianes de la Galaxia Vol. 2 sigue con la fórmula de su antecesora, continuando con la tradición milenaria de “si no está roto, no lo arregles”.

En Los Guardianes de la Galaxia Vol. 2 nos encontramos una vez más con el grupo de mercenarios espaciales más carismáticos del universo Marvel. Después de una desastrosa misión que los ha puesto en la mira de todo un ejército, los Guardianes de la Galaxia son rescatados por un misterioso desconocido que dice tener una conexión con Peter Quill/Star-Lord (Chris Pratt). Mientras el líder de los Guardianes empieza a descubrir los secretos de su origen, el resto del grupo se ve perseguido por amenazas del pasado e intentaran mantenerse unidos y de paso, si hay tiempo y la paga es buena, salvar una vez más a la galaxia de una enorme fuerza cósmica.

Lo más sorprendente de la primera película de Los Guardianes de la Galaxia era su tono extremadamente relajado, tomando poco o nada en serio y aprovechando esto para inyectar de humor cada escena que tuviese oportunidad, algo que sigue siendo constante en esta secuela aunque no tan efectivamente como antes. Cada que una escena empieza a tornarse demasiado seria, la película arroja una broma para romper la tensión, algo que por lo menos para mí es bastante divertido pero que, después de un rato, se convierte en una rutina fácil de predecir. No me malentiendan, cada chiste sigue siendo genuinamente gracioso, pero la estructura de momento serio seguido por momento gracioso se convierte en algo repetitivo y con ello la sorpresa se pierde.

La película retoma algo que últimamente ha perdido el universo cinematográfico Marvel: El ser una historia autocontenida. Vol. 2 evidentemente hace referencia a la película anterior de Los Guardianes de la Galaxia, pero fuera de muy leves menciones al resto del universo Marvel, la cinta se enfoca en su propio microcosmo he incluso se atreve a hacer burla de la fuerte continuidad que ahora poseen el resto de películas Marvel, mayormente haciendo referencias que en cualquier otra película serian una enorme revelación pero que aquí no son más que chistes breves y prácticamente desechables, algo que resultara muy gracioso para los fans de los comics y que hará enfadar enormemente a los más puristas seguidores del material original, algo que es completamente intencional.

Casi todo el reparto del filme anterior regresa para esta secuela, además se suman unos cuantos personajes nuevos a la historia, lo cual empieza a ser un problema al tratar de repartir el tiempo en pantalla entre tantos personajes. El ejemplo más claro de esto es el personaje de Nebula, interpretado por Karen Gillian, quien a pesar de contar con un arco de personaje importante tanto para ella misma como para Gamora (Zoe Saldana), se siente como que la única razón de aparecer en el filme es porque hizo su debut en la cinta anterior. Si esta trama hubiera quedado en el piso de la sala de edición poco o nada de valor se habría perdido referente a la historia principal. Algo similar ocurre con Groot, cuya única función aquí es ser endemoniadamente adorable y muy seguramente ser un comercial andante para vender juguetes de este personaje

Me he quejado muchas veces de las películas que son “pan con lo mismo” y Los Guardianes de la Galaxia Vol. 2 es más de aquello que fue la primera cinta, pero la diferencia es que aquí la formula todavía se siente fresca, la palabra clave aquí es TODAVÍA. Vol. 2 no logra sorprendernos de la misma manera que la antecesora pero definitivamente logra entretenernos de la misma manera. Lo voy a admitir, mí más que clara parcialidad hacia Marvel se ve reflejada en mi opinión sobre la película, pero lo que es indiscutible es que Los Guardianes de la Galaxia Vol. 2 es una comedia de ciencia ficción que puede entretener a cualquiera de principio a fin.

Los Guardianes de la Galaxia Vol. 2: 4/5. Muy Buena. (Sí, ya lo reconocí, mi gusto personal probablemente me hace darle un punto más del que debería).

 

 

 

 

 

 

 

 

Mejor que: Doctor Strange (2016), Los Vengadores: La Era de Ulltron (2015), Escuadrón Suicida (2016) (Aunque les arda).

No tan buena como: Los Guardianes de la Galaxia (2014) Ant-Man: El Hombre Hormiga (2015), Deadpool (2016), Lego Batman: La Película (2017) (Aunque me arda).

 

A estas alturas ya se saben el mantra. Repitan después de mi: “El humor es subjetivo. Lo que puede ser gracioso para una persona puede no serlo para otra” Una comedia puede hacer reír o no, eso es un hecho, pero incluso cuando dicha comedia no sea precisamente algo que te haga retorcerte de risa, si la producción está bien hecha, por lo menos puedes apreciar el intento que hace para divertirte, o por lo menos eso es lo primero que pensé después de ver Un Golpe con Estilo, película que aunque nunca me hizo soltar una carcajada por lo menos me mantuvo entretenido y con una sonrisa en el rostro prácticamente todo el tiempo.

En Un Golpe con Estilo veremos a un grupo de adultos mayores planeando el asalto a un banco. Joe (Michael Caine), Willie (Morgan Freeman) y Albert (Alan Arkin) son tres viejos amigos que han trabajado juntos prácticamente toda sus vidas. Después que la empresa en la que han trabajado es vendida a un conglomerado extranjero, todos los trabajadores son privados de sus pensiones para el retiro con ayuda de un banco sin escrúpulos. Con problemas financieros serios y sin ninguna solución a la vista, Joe, Willie y Albert deciden recuperar lo que es suyo de la manera difícil, por lo que planean asaltar el banco y así obtener el dinero de sus pensiones.

Es curioso como algo tan simple como no seguir una moda es suficiente para destacar un poco del resto, esto lo digo porque, por lo menos últimamente, todas las comedias que utilizan a “viejitos” como protagonistas se centran en los personajes actuando como adolecentes inmaduros y molestos, lo cual si puede ser gracioso pero que no lo es tanto cuando tantas producciones utilizan la misma fórmula. Un Golpe con Estilo utiliza un humor mucho más “blanco” y en lugar de hacer solo chistes sobre “miren, estos ancianos están haciendo cosas que los ancianos no hacen”, la película prefiere darnos a personajes bastante  verosímiles y carismáticos, o por lo menos tan creíbles como pueden ser un grupo de octogenarios asaltando un banco.

La comedia es bastante ligera, lo cual será del gusto de algunos y disgusto de otros pero lo que realmente ayuda a mantener el interés es el carisma de los protagonistas. Durante el transcurso de la historia podemos ver los lazos de amistad que unen a los personajes, una amistad que se siente bastante duradera y con mucha historia detrás de ella, lo cual hace que los personajes se sientan mucho más desarrollados de lo que se podría esperar dentro de una comedia.

Como suele ser el caso en muchas comedias, los mejores chistes son revelados en el trailer, pero aun así se logran reserva algunas sorpresas para la sala de cine. La trama muchas veces se acerca a ser cursi con las historias personales de cada protagonista pero nunca se cruza la línea de lo meloso. Lo que resulta un poco extraño es que la película da un cierre adecuado a cada una de sus tramas secundarias, incluyendo uno que otro dilema que no se plantea demasiado bien a lo largo de la historia, al final atando todos los cabos sueltos, incluso aquellos que no sabías que debían atarse.

Sé que muchas veces he caído (y seguiré cayendo) en extremismos, clasificando una película como totalmente buena o completamente mala, pero cintas como Un Golpe con Estilo no caen en ninguna de esas dos categorías sino que se sienta cómodamente en un lugar intermedio. La comedia no es nada del otro mundo y se siente bastante “segura”, sin arriesgar demasiado para hacernos reír pero por lo menos no se convierte en un desfile de malos chistes que dan pena ajena, algo que hay que agradecer. La historia puede ser predecible pero logra darnos un par de sorpresas, algunas mejores planteadas que otras, pero que definitivamente logran entretener al público. Un Golpe con Estilo es una divertida forma de perder el tiempo y nada más, lo cual tal vez suena decepcionante pero a veces eso es lo único que buscamos, una película para perder un par de horas sin pensar demasiado pero que tampoco insulte nuestra inteligencia, expectativas que esta película alcanza sin mucha pena ni gloria.

Un Golpe con Estilo: 2/5. Meh.

 

 

 

 

 

 

 

 

Mejor que: Mi Abuelo es un Peligro (2016), El Abuelo Sinvergüenza  (2013), Mentes Maestras (2016).